Tiempo después. Director: José Luis Cuerda. Protagonistas: Roberto Álamo, Blanca Suárez, Iñaki Ardanaz, Carlos Areces, María Ballesteros, Javier Bódalo, Andreu Buenafuente, Maria Caballero, Nerea Camacho, Martín Caparrós, Raúl Cimas, Antonio de la Torre, Secun de la Rosa, Estefanía de los Santos, Gabino Diego, Manuel Solo, Miguel Ángel Rellán García, César Sarachu y Saturnino García, entre otros. Guión: José Luis Cuerda, basado en su novela homónima. Música: Lucio Godoy. Tema de cierre:Tiempo después, escrito e interpretado por Joaquín Sabina. Atresmedia Cine / El Terrat / Estela Films / Lanube Películas / Planar / Pólvora Films / Tiempo Después. España, 2018. Sin estreno comercial en la Argentina. Exhibido como parte de Espanoramas. Muestra de cine español, en el Espacio INCAA del Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1637), el 22 de febrero a las 21:00 horas.
Imaginen una comida con los mejores ingredientes. Cocinada por el mejor chef, acompañada de la mejor bebida y el agua más cristalina y sabrosa. Servida como los dioses en el mejor de los lugares. Alrededor de la mesa, los mejores comensales enhebrando la mejor charla de sus vidas. Y de fondo, la mejor música y la mejor iluminación. Pero hay algo que falla, que no termina de cerrar, que no resulta del todo. Una experiencia final que no está a la altura de las expectativas puestas por todos los involucrados. No debería haber salido así, pero así salió. El resultado final es inferior a la sumatoria de las partes.
Lamentablemente, es lo que me produjo la visualización de Tiempo después, el tanque cinematográfico español que marca el regreso tras las cámaras de José Luis Cuerda, el director que nos dio Amanece que no es poco, el hombre que hizo materia cinematográfica de la inteligencia, la irreverencia y ese humor absurdo tan cáustico como movilizante. Todo esto está presente en la cinta, es cierto, pero brillando por separado y perdiendo ese brillo toda vez que cada una de sus partes fundantes es puesta dentro del contexto general de la obra.
La premisa, que abreva en la ciencia-ficción, nos sitúa en el año 9177. Un futuro post-apocalíptico en donde el mundo ha quedado reconvertido en un gigantesco rascacielos habitado por la burguesía inclusora, los privilegiados incluidos del sistema y una juventud tan hiperconcientizada como apática. Y a los pies del edificio, una desbordante villa miseria en donde habitan los trabajadores desempleados, las minorías étnicas, las mujeres. Los excluidos que el sistema necesita mantener para mantener el equilibrio. Un equilibrio que, de repente, es puesto en jaque cuando uno de los de afuera quiere entrar adentro.
Como siempre, la de Cuerda es una mirada surrealista, extravagante, culta (sin caer en la pedantería) y trascendente, puesta a contar una lucha que es la eterna lucha de clases, pegándole a izquierdas y derechas, a democracias y monarquías por igual. El problema es que todo aparece ajeno y sobredimensionado. Como si Tiempo después fuera un Titanic que zarpó del puerto llevando a bordo su propio témpano, tal vez, por haber creído ser aquello que realmente es. De todas formas, más vale disfrutarla por partes que perdérsela entera.
Venganza. Director: Hans Petter Moland. Protagonistas: Liam Neeson, Laura Dern, Emmy Rossum, Tom Bateman, William Forsythe, Laura Dern, Julia Jones, Raoul Max Trujillo, Domenick Lombardozzi, Aleks Paunovic y Benjamin Hollingsworth, entre otros. Guión: Frank Baldwin, basado en el guión de la película Kraftidioten, de Kim Fupz Aakeson. Mas Films / StudioCanal / Paradox Films. Reino Unido, 2019. Estreno en la Argentina: 21 de febrero de 2019.
No hace falta ver esta película para haberla visto. Un montón de veces, de hecho. Desde que saltó al rubro de héroe de acción, las cintas con Liam Neeson pasaron a ser cintas de Liam Neeson. Un género en sí mismo que se recicla de manera continua e imperturbable. Remakes constantes de las aventuras de vengadores familiares que sueñan con ser Charles Bronson. Y Venganza (Cold Pursuit) viene a hacerle justicia al arte de la repetición.
En esta remake del thriller Kraftidioten, que el mismo Hans Petter Moland dirigió para el séptimo arte noruego en 2014, la mafia encargada del tráfico de drogas en un idílico pueblito nevado reconvertido en centro de esquí para el jet set internacional, se pasa de rosca con el hijo de Liam Neeson. Obvia consecuencia: durante el resto del metraje, Liam Neeson va a pasarse de rosca con la mafia encargada del tráfico de drogas del lugar. Y como Liam trabaja abriendo caminos entre el hielo con una enorme barredora de nieve, es fácil intuir cómo va a ir abriéndose camino entre los malos.
La (sana) diferencia entre Venganza y el pelotón de clones que inunda las pantallas es el humor negro que destila la trama. Un humor que no aparece en forma de chistes forzados, escupidos a mansalva por el matador de turno. Un humor que nace de la frontera bizarra que bordean los planteos, de algunos diálogos que pretenden exhibir un toque tarintinesco en su aparente incongruencia, de la seriedad con que los personajes transitan situaciones emparentadas con el ridículo kitsch.
No sé cómo era la versión original, pera en esta re-versión, Hans Petter Moland corrobora la certeza del dicho: La venganza es un plato que se come frío. Y en el medio de esta inhóspita tormenta de nieve, Liam Neeson se come la película haciendo lo que mejor sabe hacer: Matar (mucha) gente como si estuviera interpretando a Shakespeare.
Arabia. Directores: João Dumans y Affonso Uchoa. Protagonistas: Aristides de Sousa, Murilo Caliari, Gláucia Vandeveld, Renata Cabral y Renan Rovida, entre otros. Guión: João Dumans y Affonso Uchoa. Katásia Filmes / Vasto Mundo. Brasil, 2017. Estreno en la Argentina: 21 de febrero de 2019.
El arranque no es más que una excusa para contar una historia que bien podría contarse sin ese arranque. No porque sea intrascendente, que no lo es. Pero sí porque resulta algo forzado, puesto que la relación entre ambas secuencias termina siendo anecdótica, de color, sin consecuencias mediatas o inmediatas que le sean transferidas al espectador.
André es un pibe de Ouro Preto (Mina Gerais), a cargo de su hermano menor y bajo la tutela esporádica de una tía, obrera en una fábrica de aluminio de la zona. De entrada queda claro que son trabajadores golpeados por el efecto de las políticas públicas. Algo que el detallista ojo de la cámara mostrará en los hechos más cotidianos, aquellos que están marcados por lo que nunca se tuvo y por lo que ahora está faltando.
Un accidente lo pondrá en contacto con Cristiano, otro obrero de esa fábrica de aluminio que dibuja el perfil de la ciudad. Y más que con Cristiano, el accidente terminará contactándolo con el diario íntimo de Cristiano, la segunda historia de la película que, por peso propio, terminará siendo la única historia que realmente importa en la película. Y lo que cuenta Arabia (Arábia) es el destino pre-establecido de la clase trabajadora brasileña. Un camino siempre en descenso, más allá y más acá de los resultados concretos y estadísticos que arroja la última década.
La trama social, vista desde la óptica del Cristiano leído por André, mezcla la situación política local y el estado emocional del personaje. Hace una sutil fusión entre la impotencia que deviene del fracaso económico y el vacío existencial que florece en la tristeza. Con la pobreza instalada como un estadío definitivo y alienante para algunos, la vida pareciera quedar reducida a este sinfín trágico, mediado sólo por la ternura, la solidaridad y la melancolía que identifica a los pares.
Con Arabia, João Dumans y Affonso Uchoa pintan un fresco contundente en su crítica hacia el proceso de pauperización de la clase trabajadora (no sólo) brasileña, donde el ser humano sigue siendo el eslabón más débil y menos importante de cualquier cadena de producción. Y lo hacen con mano delicada, respetuosa hacia el sentir y hacer de esos nadies esforzados en alcanzar la felicidad en este mundo. Aunque sea por un ratito. Pero antes de morirse.
(Información de prensa) Un auténtico tributo a la figura de un genio musical. María Callas: En sus propias palabras (Maria by Callas: In Her Own Words, Francia, 2018) se estrena en la Argentina el 14 de marzo. El film documental de Tom Volf, cuenta con narraciones en off a cargo de Fanny Ardant.
Íntimo retrato de la vida y el trabajo de la cantante de ópera Maria Callas, con testimonios de la propia Callas, Onassis, Marilyn Monroe, Alain Delon, Yves Saint-Lauren, John Fitzgerald Kennedy, Luchino Visconti, Winston Churchill, Grace Kelly, Liz Taylor y otras personalidades que conocieron a la diva.
A lo largo de tres años, el director Tom Volf viajó a los cuatro rincones del mundo en busca de archivos excepcionales, la mayoría de los cuales no se habían publicado nunca: películas privadas en Super 8, 16 mm, fotos inéditas, grabaciones pirateadas de las actuaciones por sus admiradores, cartas íntimas o entrevistas perdidas.
Gracias a Tom Volf, este extraordinario material dio lugar a una gran exposición en París y tres libros: una versión de lujo en Éditions Assouline, Maria By Callas (publicado en todo el mundo en mayo de 2017), otro libro en Éditions La Martinière, Callas confidential; y un tercero en Éditions Fayard, en el que se publica su correspondencia y memorias inéditas: Maria Callas, mémoires, lettres et écrits.
La banda sonora se compone de grabaciones raras o inéditas tomadas de cintas remasterizadas obtenidas a través de los conocidos de Callas y de círculos de admiradores. Ninguna otra película presentará una colección tan rica en imágenes y archivos de sonido, más del 50% de los cuales se verán y escucharán por primera vez.
Dijo la crítica:
Carlos Marañón (Cinemanía): Maria Callas, mito y persona, a dos voces. Respetuoso documental con imágenes inéditas y elegante adecuación entre fondo y forma.
Antonio Weinrichter (ABC): Escapa de las trampas del "biopic" y es mucho más estimulante que una lineal biografía "novelada".
Jordi Costa (Fotogramas): Volf no pierde ocasión de convertir su generoso trabajo en, también, un 'Grandes Éxitos' de una Callas que fue demasiado grande como para acomodarse a una mera vida mortal. Todo un festín para devotos, capaz de seducir a profanos.
Scott Tobias (Variety): Es una corrección necesaria a décadas de mala prensa. Un tributo genuino a su figura como genio musical. También sirve de introducción accesible para los que saben poco de ella.
El jueves pasado se estrenó en la Argentina Battle Angel: La última guerrera (Alita: Battle Angel) la película James Cameron y Robert Rodríguez sobre el manga de Yukito Kishiro.
Una adaptación que esperó 22 años para poder llegar al cine. Una historia que cuento en esta nota publicada el sábado en el suplemento Espectáculos del diario La Nación.
(Información de prensa) La verdadera historia de un golpe legendario. Rey de ladrones (King of Thieves, Inglaterra, 2018) se estrena en la Argentina el 28 de febrero. Dirigida por James Marsh, la película basada en una real historia delictiva, está protagonizada por Michael Caine, Tom Courtenay, Jim Broadbent, Ray Winstone, Michael Gambon, Charlie Cox, Paul Whitehouse y Matt Jones.
Un famoso ladrón en su juventud, Brian Reader (Michael Caine), es ahora un viudo de 77 años que lidera un atraco sin precedentes en la conocida compañía de depósitos londinense Hatton Garden Safe Deposit.
Para ello reúne a una banda de delincuentes inadaptados, todos entre los 60 y 70 años excepto uno, que usarán sus habilidades de ladrones de la vieja escuela para planificar el atraco durante las vacaciones de Semana Santa.
Haciéndose pasar por operarios de mantenimiento, entran en el depósito, neutralizan las alarmas y proceden a perforar un agujero en la pared de la cámara acorazada.
Dos días después, logran escapar con un supuesto botín valorado en 14 millones de libras en joyas y dinero.
Tras el robo, los miembros de la banda empiezan a pelearse por el reparto del botín, desconfiando cada vez más unos de otros.
Mientras tanto, el atraco llega a conocimiento de la opinión pública y se desencadena una fiebre de especulaciones. Los datos del robo van saliendo a la luz y fascinan cada vez más tanto al público como a los medios.
Feliz día de tu muerte 2. Director: Christopher Landon. Protagonistas: Jessica Rothe, Israel Broussard, Phi Vu, Suraj Sharma, Sarah Yarkin, Rachel Matthews, Ruby Modine, Steve Zissis, Charles Aitken y Laura Clifton, entre otros. Guión: Christopher Landon, basado en personajes creados por Scott Lobdell (sí, el de los cómics). Blumhouse Productions / Digital Riot Media. EE.UU., 2019. Estreno en la Argentina: 14 de febrero de 2019.
La primera película tenía una premisa interesante y un desarrollo realmente anodino. Para hacerla corta, la rubia protagonista era víctima de dos problemas: Un asesino serial con máscara de bebé, que la seguía y la mataba. Y un rulo temporal medio inexplicable que, cada vez que moría, la hacía volver a vivir ese día desde el principio, siendo la única persona en el mundo con consciencia de lo que había pasado. Una especia de Halloween descerebrado, que asustaba sin meter miedo. Principalmente, porque volvía a contar una película de terror que ya habíamos visto mil veces. Y mejor contada.
Pero como la cinta fue un éxito, acá estamos con este Feliz día de tu muerte 2 (Happy Death Day 2 U) que, por suerte, aprendió de sus errores para no volver a caer en ellos. No porque la historia, de golpe y porrazo, se haya vuelto original, sino porque escogieron un cambio de perspectiva que le vino muy bien.
En lo genérico, del terror saltaron a la ciencia-ficción. Más específicamente la comedia fantacientífica armada alrededor de un grupo de nerds que se conocen de memoria todas las temporadas de The Big Bang Theory. Y desde lo argumental, fundamentando un motivo que explique y sostenga el cambio de roles de los personajes y las motivaciones que ponen a rodar la misma historia de antes, sin hacer estallar la endeble credibilidad de la trama. El resto sí está igual: El asesino serial con máscara de bebé y el rulo temporal que nos lleva a todos (protagonistas y espectadores) a re-vivir el mismo día una y otra vez.
Lo bueno de que nada sea tomado muy en serio es que la película fluye rápido, bien y naturalmente. Abriendo, eso sí, puertas para nuevas secuelas. No se vayan antes de la escena inter-títulos finales. No es gran cosa, peor por lo menos sí dispara la acción para otros escenarios y posibilidades.
(Información de prensa) Libres son. Frozen 2 (EE.UU.) se estrenará en la Argentina el 2 de enero de 2020.
Dirigida por Chris Buck y Jennifer Lee, la versión inglesa de la esperadísima secuela cuenta con los talentos vocales de Kristen Bell (Anna), Idina Menzel (Elsa), Jonathan Groff (Kristoff) y Josh Gad (Olaf), a quienes se les suman para la ocasión Evan Rachel Wood y Sterling K. Brown, en papeles aún no identificados.
Muy poco se sabe sobre el argumento, guardado bajo cuatro mil llaves en las mazmorras del castillo del tío Walt, pero los rumores más fuertes hablan de dos historias interconectadas, una de corte romántico centrada en Olaf y otra de perfil más dramático sobre el real parentesco entre Anna y Elsa.
¿Son hermanas biológicas? Y si no lo son, ¿cambiará en algo la relación estrecha que mantienen? "La historia es genial -aseguró Kristen Bell-. Les llevó un montón terminarla porque no querían hacer una simple secuela, sino una historia que debiera y mereciera ser contada. Importante y emotiva. Y creo que lo es".
Para el co-director Chris Buck, el film mostrará el siguiente paso evolutivo en la vida de los protagonistas, aunque el principal desafío podría recaer sobre las espaldas de Elsa. "Al final de Frozen, ella empezó a sentir que podía abrirse al mundo y recuperar la alegría de vivir. Eso es algo que empezamos a descubrir en el corto Frozen Fever y que ahondaremos mucho más en esta película.
(Información de prensa) La mujer que retrató una época. Foto Estudio Luisita (Argentina, 2018) se estrena comercialmente el 14 de marzo. El film documental de Sol Miraglia y Hugo Manso obtuvo el Premio del Público a la Mejor Película Argentina en el 20° BAFICI.
Tita Merello, Susana Giménez, Amelita Vargas, Olmedo y Porcel, Atahualpa Yupanqui. Las celebridades que pasaron por el estudio fotográfico de Luisita son innumerables. Sol, una joven fotógrafa, descubre en esta Casa-Estudio más de 25 mil negativos inéditos que abren una ventana hacia un verdadero epicentro artístico de la cultura popular argentina.
Sobre la concurrida avenida Corrientes de Buenos Aires se encuentra el mítico Foto Estudio Luisita. Allí, desde la década del '60 y por más de treinta años, fueron retratadas miles de celebridades del espectáculo y la cultura argentina.
Por aquellos años, el mundo de la fotografía estaba dominado por hombres, pero ella supo hacerse un lugar. Junto a sus dos hermanas hizo una labor artesanal única, que al día de hoy conserva más de 25 mil archivos inéditos. Aunque el paso del tiempo y la tecnología parecían condenarlas al olvido, las hermanas dan muestra de que su espíritu de trabajo sigue intacto.
"Lo que más nos atrae como documentalistas -contaron los directores- es lo que está oculto, lo que ha quedado en el olvido, aquello que no se ve a primera vista y que espera paciente ser descubierto. Eso fue para nosotros el tesoro que Luisita conserva en su casa. En 2009, Sol conoció a Luisita y descubrió en su casa un archivo de más de 25 mil negativos en cajas dentro de armarios y debajo de los muebles. Uno de los principales problemas de la fotografía y del cine en la actualidad, es la pérdida irreversible de los archivos, y el patrimonio fotográfico de Luisa es uno de los más valiosos que aún subsisten en el campo de la fotografía del espectáculo argentino".
Trabajando con los negativos originales, Miraglia y Manso se encontraron con "un cuerpo de obra completamente diferente. Esta historia y estos archivos invaluables, son parte de la memoria de la sociedad de una época. En estos diez años de amistad con Luisita y sus hermanas confrontamos con el rechazo de muchos hombres del mundo del arte, quienes no tardaron en restarle valor a su obra. Pese a ello, la enorme responsabilidad de hacer conocer su historia hizo que hoy exista esta película".
Dijo la crítica: Diego Battle (Otros cines): Sin artilugios narrativos, los directores se acercan con respeto, cariño y admiración a la obra de una mujer que retrató como nadie el mundo del espectáculo porteño! Marcela Ayora (La Nación Revista): La fotógrafa que quería ser monja e inmortalizó como nadie la revista porteña. Mariana Zabaleta (Subjetiva): Como un baúl de recuerdos, esta cinta nos invita al centro del corazón porteño. Matías Orta (A sala llena):Foto Estudio Luisita es la oportunidad dorada de tener delante de los reflectores a las responsables de estar detrás de los focos.
Luisa Escarria (1929, Cali, Colombia): Hija de dos fotógrafos, Luis Felipe Escarria (primer paisajista fotógrafo de Colombia) y su madre, Eva Iglesias fue la primera fotógrafa de latinoamérica, retratista de sociedad. A los 14 años inició su carrera como fotógrafa ya que su madre enfermó y tuvo que atender a todos sus clientes; comenzaron a confiar en ella, y a los 18 años pudo inaugurar su propio estudio Luisita. A Los 28 años, a causa de la violenta situación social en Colombia, llegó a Buenos Aires con sus dos hermanas, su madre y su tía; y se instalaron para siempre en el centro de la ciudad de Buenos Aires. Se mudaron a un departamento en la avenida Corrientes al 1300, el cual cumpliría la función, a la vez, de vivienda y estudio fotográfico, que comandó junto con su hermana Chela, mano derecha y asistente hasta el día de hoy. Actualmente reside en el mismo departamento con sus dos hermanas y sus dos perras, ninguna de las tres se casó ni tuvo hijos. Luisita Es la única fotógrafa de teatro de revista argentino de las décadas del '70, '80 y '90 con vida en la actualidad, que cuente con tal extensa producción y cuidadoso oficio. Realizaba las tomas para las puertas de los teatros de revistas (Tabarís, Nacional y Maipo, entre otros) y para el magazine del Teatro Maipo. A partir del 19 de marzo, con curaduría de Lara Marmor, Ariel Authier y Bruno Dubner, la obra de Luisita estará expuesta en la Fotogaleria del Teatro San Martín, en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Una oportunidad única para conocer el archivo del espectáculo argentino que se mantuvo escondido por más de treinta años.
(Información de prensa) Hora de jugar. El muñeco diabólico (Child's Play, EE.UU., 2019) se estrena en la Argentina el 11 de julio. Dirigido por Lars Klevberg, el reinicio de una de las sagas clásicas del terror ochentoso, está protagonizado por Gabriel Bateman, Aubrey Plaza, Brian Tyree Henry, Tim Matheson, Marlon Kazadi, Ty Consiglio, Beatrice Kitsos, Anantjot S. Aneja, Nicole Anthony y Mark Hamill (voz del muñeco Buddi).
Por cuestiones de derechos, el film producido por la misma gente de It e It: Capítulo 2, no se comercializará con el nombre de Chucky, aunque obviamente está protagonizada por el increíble y terrorífico juguete, ahora rebautizado Buddi.
La corporativa Kaslan acaba de lanzar una nueva línea de muñecos de alta tecnología conocidos como "Buddi", adquiriendo fama a nivel mundial y siendo el regalo perfecto para los niños.
Karen Barclay (Aubrey Plaza) decide regalarle uno de los muñecos a su pequeño hijo Andy (Gabriel Bateman) por su cumpleaños.
Sin embargo, un mal funcionamiento causará que el muñeco adopte un comportamiento agresivo y psicópata, iniciando una sangrienta oleada de muertes en el pueblo.
Hasta donde se sabe, para esta nueva versión Buddi no sería un muñeco poseído por el alma de un asesino, sino un mecanismo robótico fuera de control.
(Información de prensa) La Embajada de España y el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) presentan Espanoramas 2019, muestra de cine español que se realizará del jueves 21 al miércoles 27 de Febrero en Espacio INCAA Cine Gaumont Km 0 (Rivadavia 1637, Ciudad Autónoma de Buenos Aires), con el apoyo del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) de España y del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) de Argentina.
Palabras de Fran Gayo (programador)
La de 2019 no es una edición cualquiera de Espanoramas. No es un año más (nunca lo es, en realidad), es ésta una edición que responde a un momento convulso y complejo en la realidad internacional, un momento particular que también ha tenido su eco en la realidad española de los últimos 12 meses. Y esto necesariamente marca el perfil de nuestra selección de films, de una muestra en la que, de entrada, resulta crucial el peso del cine dirigido por mujeres. No se trata de corrección política ni de ajustar porcentajes, sino de reconocer una evidencia: reflejar el estado actual del cine español pasa necesariamente por subrayar el nombre de Diana Toucedo, Alba Sotorra, Mabel Lozano, Meritxel Colell o Maider Oleaga.
El cine español en 2018 ha hablado de ellas y ha sido enunciado por ellas, pero también nos ha dicho cosas sobre la fragilidad de las fronteras y la necesidad de atravesarlas (no sólo las fronteras geográficas, también las de género, las lingüísticas, las creativas o las de pensamiento y creencias). Ese mismo cine español que ha insistido sobre la historia, la inmediata, la que brota bajo nuestros pies, y también sobre la del pasado reciente y sobre esa Historia pretérita que tendemos siempre a poner en mayúsculas.
El cine español es un cine heterogéneo, rico, reflexivo y que parte de lo local para proyectarse en lo universal (conceptos que si van juntos se potencian y crecen sanos), un cine que se permite dar la sorpresa en las taquillas locales, saltar sin miedo a lo inconmensurable de Netflix o viajar sin temblarle el pulso a festivales de clase A como Locarno, San Sebastián, Mar del Plata o Toronto.
Películas
Comandante Arian, una historia de mujeres, guerra y libertad (2017), de Alba Sotorra. En esta historia documental sobre la emancipación y la libertad en pleno frente de la guerra de Siria, la comandante Arian guía hacia Kobane a un batallón de mujeres con la misión de liberar a la población que vive bajo el yugo del Daésh (ISIS).
Arian, quien siendo muy joven había presenciado el salvaje trato que recibían las víctimas de la violencia sexual, hace todo lo posible para que sus compañeras descubran el verdadero sentido de su lucha: la libertad para la próxima generación de mujeres. Tras convivir durante meses con la comandante y sus tropas, rodando una intimidad sin precedentes en la que se incluyen crudas secuencias de la lenta recuperación de Arian, Sotorra confecciona un fascinante retrato de una mujer embarcada en una misión.
Con el viento (2017), de Meritxell Colell Aparicio: Cuenta la historia de Mónica y su reconciliación con una vida que dejó atrás. Mónica, una bailarina de 47 años, recibe una llamada desde España: su padre está muy enfermo. Tras 20 años, debe volver al remoto pueblo de Burgos en el que nació. Cuando llega, su padre ha muerto. Su madre, con quien apenas ha hablado durante todos estos años, le pide que le ayude a vender la casa familiar.
Llega el invierno. El perpetuo silencio, el extremo frío y enfrentarse a la familia serán pruebas duras para Mónica, que se refugiará en lo que mejor conoce: la danza. Con Mónica García, María Concepción Canal, Ana Fernández y Elena Martín.
El desentierro (2018), de Nacho Ruiperez: La repentina aparición de una mujer de origen albanés en un pueblo costero provoca que Jordi decida investigar el pasado de su padre, Pau, desaparecido hace 20 años y al que todo el mundo daba por muerto. Recién llegado de la Argentina, Jordi asistirá al entierro de un importante Conseller.
En el funeral, la misteriosa Vera le dará indicios de que conoce la verdad sobre la historia enterrada de su familia. Con la ayuda de su primo Diego, emprenderán a contrarreloj la búsqueda de Pau, adentrándose en una trama de asesinos, corruptos y proxenetas. Con Jan Cornet, Michel Noher, Leonardo Sbaraglia y Jelena Jovanova.
El proxeneta. Paso corto, mala leche (2017) de Mabel Lozano: Documental protagonizado y contado en primera persona por Miguel, “El Músico”, un exproxeneta y dueño de algunos de los más importantes macroburdeles de España, condenado y sentenciado a 27 años de cárcel.
Miguel ha confesado con pelos y señales cómo ha evolucionado la prostitución en España y en el mundo, y cómo a principios de los años noventa surgió el espeluznante negocio de la trata y se empezó a secuestrar mujeres para someterlas a la prostitución.
Jean Francois y el sentido de la vida (2017), de Sergi Portabella: Francesc, un niño solitario de trece años, descubre en la escuela el libro El mito de Sísifo del filósofo Albert Camus por el que queda fascinado. A partir de este momento decide convertirse en existencialista; se sube el cuello de la chaqueta y se hace llamar Jean-François. Su nuevo objetivo será ir a París a encontrar a Camus.
Lluna, una adolescente que vive el presente, le acompañará en su aventura con una única condición: parar por el camino para reencontrarse con el chico francés con el que tuvo una historia el verano pasado. Juntos emprenden un viaje para, con Camus o sin él, descubrir cuál es el sentido de la vida. Con Claudia Vega, Max Megías, Àgata Roca y Pau Durà.
La llamada (2017), de Javier Ambrossi y Javier Calvo: Se desarrolla en Segovia en el Campamento cristiano "La Brújula". Bernarda, una monja recién llegada, quiere salvar el campamento con su canción Viviremos firmes en la fe. La hermana Milagros, una joven con dudas, recuerda lo mucho que le gustaba Presuntos Implicados. Y María y Susana, dos adolescentes castigadas, tienen un grupo que se llama Suma Latina.
Pero desde que Dios se le aparece a María una noche, todo está cambiando. Y es que a Dios le encanta Whitney Houston. Con Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta y Garcia Olayo.
Los Futbolísimos (2017), de Miguel Ángel Lamata. Pakete, Helena y sus compañeros de colegio se meten en todo tipo de aventuras en las que su ingenio y su amistad serán puestos a prueba. Todo para descubrir el misterio que podría acabar con su equipo de fútbol y con la continuidad de la pandilla. ¿Son víctimas de una conspiración o es todo fruto de la casualidad? Ha llegado el momento de hacer un pacto secreto y crear Los Futbolísimos con un objetivo claro: resolver el enigma y poder mantenerse juntos. La película está basada en la exitosa saga editorial del mismo nombre.
Los Futbolísimos es una colección de novelas de aventuras, fútbol y misterio escrita en clave de comedia que se ha mantenido ininterrumpidamente en el top 5 de ventas de novelas infantiles en España desde su primera publicación en 2013. Con Toni Acosta, Norma Ruiz, Antonio Pagudo y Joaquín Reyes.
Mudar la piel (2018), de Ana Schulz y Cristóbal Fernández: Juan es un mediador que trató de alcanzar la paz entre ETA y el gobierno español. Roberto es un espía de los servicios secretos que se infiltró en su vida durante años.
Mudar la piel es la historia documental de Juan, el padre de la directora, y Roberto, el hombre que le espió. Ambos cultivan una insólita amistad a pesar de la traición. Mudar la piel es también la crónica de la relación de los cineastas con el espía y su dificultad para atrapar su escurridiza identidad.
Paso al límite (Muga Deitzen da Pausoa, 2017), de Maider Oleaga: Documental en el que dos mujeres se encontrarán en un departamento en San Sebastián, una está viva y es la cineasta, la otra se llama Elvira Zipitria Irastorza, y murió en 1982. La cineasta descubrirá muy pronto que Elvira abrió la primera escuela vasca clandestina en ese mismo departamento, y la mantuvo durante 30 años, bajo la temible dictadura franquista.
Hizo un enorme esfuerzo para proteger el euskera y la cultura vasca en distintos sectores. Y pese a su trabajo pionero, no se le conoce mucho ni en el País Vasco ni en ningún otro lugar. La cineasta, asombrada y movida por el ansia de saber más, empieza a investigar para descubrir quien fue esa mujer. La búsqueda no será fácil ya que se encontrará con muchas puertas cerradas.
Tiempo después (2018), de José Luis Cuerda: En 9177, mil años arriba o mil años abajo, que tampoco hay que pillarse los dedos con estas minucias, el mundo entero y según algunos autores, el universo también se ha visto reducido a un sólo Edificio Representativo y a unas afueras cochambrosas, habitadas por todos los parados y hambrientos del cosmos.
Entre todos estos desgraciados, José María decide que con las dificultades que haya que salvar y mediante la venta en el Edificio Representativo de una riquísima limonada que él manufactura, otro mundo es posible. Con Manuel Solo, Miguel Ángel Rellán García, Roberto Álamo, César Sarachu, Daniel Pérez Prada, Carlos Areces y Blanca Suárez.
Treinta almas (Trinta lumes, 2018), de Diana Toucedo: Alba es una niña de doce años con una infinita curiosidad por el final de la vida y cómo no es la muerte lo que nos espera, sino una transformación. Junto con Samuel, su mejor amigo, recorren las casas abandonadas de los pueblos gallegos como O Courel. Juntos comenzarán un viaje de misterio y descubrimiento personal entre la vida y la muerte.
Trinta lumes es un filme entre el documental y la ciencia ficción. La directora trata de captar el misterio y el encanto de las zonas rurales de Galicia y sus creencias en la vida más allá de la muerte.
Trote (2017), de Xacio Rodríguez Baño: “Hija de”, “Hermana de”; Carme vive en una aldea de las montañas del interior de Galicia junto a su padre Ramón, con el que apenas se comunica, y su madre enferma.
Trabaja en una panadería y necesita escapar de ese ambiente opresivo, pero las circunstancias siempre le impidieron dar el paso. Trotar. Huir. Con María Vázquez, Celso Bugallo, Diego Anido, Tamara Canosa, Melania Cruz y Fede Pérez.
Un día más con vida (2017), de Raúl de la Fuente y Damian Nenow: Historia conmovedora del viaje de tres meses que el restigioso reportero Ryszard Kapuscinski realizó a través de una Angola devastada por la guerra, en la que los frentes cambiaban como un caleidoscopio, de un día para otro.
Este largometraje de animación con imagen real está basado en el libro Un día más con vida, de Ryszard Kapuscinski.
