Camino a Auschwitz y otras historias de resistencia. Guiones: Julián Gorodischer. Arte: Marcos Vergara. Portada: Marcos Vergara. 112 páginas a color. Emecé. ISBN: 978-950-04-3703-5. Argentina, junio de 2015.
Dos tías abuelas, hermanas ellas, una que pudo sobrevivir al Holocausto y otra que murió gaseada en Auschwitz. Un tío abuelo, partisano de la Organización de Combatientes Judíos en Varsovia, protagonista del levantamiento del mayor gueto establecido en Europa por la Alemania nazi. Y una tía, participante de la Operación Garibaldi, acción de inteligencia del Mossad que culminó con la captura en territorio argentino de Adolf Eichman, responsable directo de la Solución Final. Estas relaciones sanguíneas, que parecen ideadas por y para la ficción, son reales. Y desembocan en Julián Gorodischer, periodista y editor de suplementos culturales que, en 2013, decidió viajar a Cracovia, Polonia, para festejar su cumpleaños número 40 en el mayor símbolo del exterminio humano por manos humanas: El campo de concentración de Auschwitz-Birkenau.
Camino a Auschwitz, relato que da título al libro, apareció previamente serializado en la revista Brando
De ahí que los tres relatos de Camino a Auschwitz estén habitados por la experiencia personal, las transmisiones intrafamiliares de esas experiencias personales. Relato oral, ruptura de los silencios guardados con tanto esmero como dedicación, reconocidos ahora en razones y emociones, en palabras y dibujos (de Marcos Vergara, nada menos), condimentadas por memorias propias que les pertenecen a otros (Primo Levi, Tadeusz Pankiewicz). Reconstrucción de un pasado, historia de una familia atravesada por el Holocuasto, viaje de un nieto que necesita sanar simbólicamente esas heridas para seguir adelante.
El propio Gorodischer, retratado por Vergara como prisionero en Auschwitz
Como toda historieta periodística que aborda el Holocausto desde el género autobiográfico, Camino… se referencia en el insoslayable Maus de Art Spiegelman, pero lo más interesante (me parece) radica en el diálogo que entabla con la controvertida Hitler=SS de Vuillemin. No por la utilización del humor negro in extremis, tratamiento del que prescinde gratamente, sino por el abordaje de cuestiones sumamente incómodas para los supervivientes y sus familias.
Retrato de la compleja relación entablada entre víctimas y victimarios, signada siempre por la próxima posibilidad de la muerte, las tres historietas exhiben algunos comportamientos humanos surgidos del amor, de la desesperación, de la necesidad de aferrarse a la vida cómo sea, en el momento en que todavía se desconoce hasta dónde (hasta cuándo) llegarán ese calvario y la proyección de su sombra. Las relaciones carnales consentidas, la acallada homosexualidad de los héroes, la cuestión queer, la seducción ejercida por el Mal, el juicio de los propios después de la condena impuesta por los ajenos.
Antes de su llegada al libro, El secuestro de Eichman había aparecido serializada en la revista Anfibio
Evitándonos el fraudulento recetario de la autoayuda, Camino… muestra un derrotero exorcista y liberador de esas oprobiosas cadenas. Con información documentada y pequeños agregados ficticios, respetando la memoria histórica y el real devenir de los acontecimientos, reafirmándose en las identidades escogidas y asumidas, Gorodischer y Vergara nos muestran cómo sobrevivir a la culpa después de haber sobrevivido al horror.
(Información de prensa) Con los protagónicos de Joaquin Phoenix, Emma Stone, Jamie Blackley y Parker Posey, Hombre irracional (Irrational Man, 2015), la nueva película de Woody Allen, se estrenará en la Argentina el próximo 1º de octubre.
En el campus universitario de una pequeña ciudad, un profesor de filosofía en plena crisis existencial, le da un nuevo propósito a su vida cuando se relaciona sentimentalmente con una de sus alumnas.
(Información de prensa) Luego de la extraordinaria recepción de la segunda edición realizada el año pasado (con localidades agotadas en la mayoría de las funciones), Anima Film Fest regresa con un renovado contenido y una excelente programación, del 1º al 7 de octubre en los Cinemark de Palermo.
El festival busca difundir valores y estimular la reflexión individual y colectiva a través del cine, a fin de que transforme la mirada cotidiana, apostando a mejorar nuestra calidad de vida.
No sólo está dedicado al público interiorizado en esta temática, sino también a aquél que quiera comprometerse en la exploración personal desde una mirada social y cultural. Con contenidos internacionales de calidad, el festival acerca películas inspiradoras -que de otra manera no llegarían al país- para promover alegría y motivación y para convertirse en vehículos de toma de conciencia.
Anima Film Fest es producido por Green Tara Producciones Culturales (productora integral del Green Film Fest, Festival Internacional de Cine ambiental, y del ciclo de cine francés Les Avant Premières). En esta oportunidad, apuesta nuevamente al cine como herramienta de transmisión de mensajes, con la certeza de que las artes pueden contribuir y ser poderosos instrumentos de reflexión sobre nuestro propio modo de vida, desafiándonos a transformar nuestros hábitos para lograr mayor plenitud y felicidad.
Anima significa alma en latín.
En la Psicología analítica de Carl Gustav Jung, el Anima/Animus constituye los Arquetipos del Alma que nos guían, nos mueven, nos ponen en vilo y nos hacen entrar en acción, ayudándonos a recuperar la conexión con lo Sagrado en nosotros mismos. Nos abren al Misterio, a lo desconocido de nuestro modo de ser más íntimo y profundo. Son los Mediadores entre nuestro Yo y el Mundo Interno, entre lo Consciente y lo Inconsciente; fuente de intensas experiencias internas, tanto sublimes como desagradables. Portan el contrasentido, lo que se opone al sentido rígido de nuestras propias concepciones y, con aquél, la posibilidad no sólo de pensar las cosas de otra manera, sino de integrar y transformar nuestra personalidad.
Programación
Unity (EE.UU:, 2015), de Shaun Monson: Más de 100 celebridades de todo el mundo prestan su voz como narradores de una producción que va a más allá de ser un documental. Se trata de una historia que busca explorar los motivos de la desconexión y falta de relación del ser humano para con su prójimo, luego de miles de años de convivencia. Así, el filme explora la esperanzadora oportunidad de que la humanidad pase de la ideología de “matar para vivir” a la de “amar para vivir”. Una producción única sobre la compasión por todas las formas de vida. Un filme sobre el amor, la tragedia y la esperanza. Un documental con las imágenes más cautivadoras de los siglos XX y XXI.
Finding Happiness (EE.UU., 2014), de Ted Nicolaou: Frente a un mundo en crisis, con colapsos económicos, parálisis de los gobiernos, desastres climáticos, violencia sin sentido y corrupción generalizada; la periodista Julieta Palmer presenta una propuesta de cambio. El documental registra su visita a una comunidad espiritual al norte de California que ha trabajado en las soluciones y alternativas desde hace casi medio siglo. La comunidad se inició en 1920 cuando Paramhansa Yogananda arribó con el yoga en las costas de América. Sus dos principales mensajes son contundentes: El cambio viene de adentro; el ambiente influye en nuestras experiencias de vida y evolución espiritual.
iGOD (EE.UU., 2015), de Jonathan Friedman: Luego de años de cuestionamientos y desacuerdos sobre Dios que han llevado a discusiones entre religiones con sus diferentes rituales, dogmas y “su propia y única verdad”, surge el interrogante: ¿Puede la verdadera esencia de Dios alguna vez entenderse o explicarse? iGod busca dar cuenta de cómo se han formado los diversos y actuales sistemas de creencias acerca de Dios a fin de responder a muchas de las preguntas que han existido históricamente en la comunidad internacional. A través de esta exploración, quizás por fin podamos empezar a entender lo que Dios realmente es, lo que Dios realmente quiere. ¿Por qué estamos aquí? ¿Cómo podemos crear un mundo mejor para nosotros y las futuras generaciones?
Monk with a Camera (EE.UU., 2013), de Tina Mascara y Guido Santi: La vida de Nicholas Vreeland cambió drásticamente al conocer a un maestro tibetano, uno de los maestros del Dalai Lama. Desde entonces se alejó de una vida de privilegios mundanos y glamour para convertirse él mismo en un monje budista tibetano y habitar en un monasterio en la India donde estudió budismo durante 14 años. En un giro irónico del destino, retomó la fotografía para ayudar a sus compañeros monjes a reconstruir su monasterio. Recientemente, el Dalai Lama lo nombró como abad del monasterio, convirtiéndose en el primer occidental en la historia del budismo tibetano en alcanzar una posición de tal prestigio.
Dying to Know Ram Dass & Timothy Leary (EE.UU., 2014), de Gay Dillinghan: A principios de la década de 1960, los profesores de psicología de la Universidad de Harvard, Timothy Leary y Richard Alpert, comenzaron a investigar los bordes de la conciencia a través de sus experimentos con drogas psicodélicas. Leary se convirtió en el gurú del LSD, invitando a pensar por nosotros mismos, encendiendo un movimiento contracultural mundial y terminando en la cárcel. Alpert viajó a Oriente para convertirse en Ram Dass, un maestro espiritual para toda una generación. Con entrevistas realizadas durante 50 años, el filme es un retrato íntimo de dos personajes polémicos y complejos en una épica amistad que dio forma a una generación y que nos invita a reflexionar sobre la vida, las drogas y el mayor misterio de todos: La muerte.
When I Was Young I Said I Would Be Happy (EE.UU., 2014), de Paul J. Lynch: Tras el histórico genocidio de Ruanda, el largometraje documental muestra la transformación que 12 de sus huérfanos, luego de experimentar y vivir una nueva forma de ayuda humanitaria sostenible: El Proyecto Luz. Los jóvenes, considerados “Embajadores”, fueron entrenados para curar su trastorno de estrés postraumático (TEPT), pero por sobre todo para sanar sus corazones. Hoy ellos enseñan a otros a hacer lo mismo.
Zen Dude (EE.UU., 2014), de Jerry Hartleben y Shaeri Richards: El pintor Zen Alok Hsu-Kwang-han explica el origen de la creatividad a partir de su existencia desde el vacío, desde ese espacio silencioso que alberga la inteligencia anterior al pensamiento. Armado con papel de arroz, tinta, cepillo y una colección de enseñanzas zen y koans, abre una puerta mágica para sus estudiantes. A través de él, descubrimos el mundo del Zen. A través de él descubrimos que “en un corazón claro, hay montaña oculta en la luna”.
En Quete de sens (Francia, 2014), de Nathanaël Coste y Marc de la Ménardière:Dos amigos de la infancia viajan por el mundo para conocer a algunos de los más grandes pensadores de nuestro tiempo. Este viaje increíble, lleno de momentos de dudas y de alegría, los llevará a cuestionar las creencias que han dado forma a la civilización occidental. El filme captura el cambio que se produjo en la conciencia humana actual a nivel planetario, y el deseo de vivir en armonía con uno mismo y con el mundo.
Green Tara: Productora de contenidos culturales que surgió en 2008 con el objetivo de promover y difundir la cultura en todas sus expresiones a través de experiencias innovadoras. Desde sus inicios, se especializa en la producción de eventos y contenidos vinculados a la sustentabilidad y el medio ambiente, con la convicción de que la cultura es un vehículo fundamental para la transmisión de valores que lleven a una vida sustentable y respetuosa del planeta y de quienes lo habitan.
Green Tara produce íntegramente Green Film Fest, Cultura en armonía con el planeta, el festival internacional de cine ambiental que comenzó en 2010 y tiene como objetivo concientizar a través de la cultura. El festival propone disfrutar de las mejores producciones audiovisuales de temática ambiental, utilizando el cine como medio para generar conciencia ambiental y contribuir a una mejora en la calidad de vida de las personas. Desde 2011, también lleva adelante Semillero Green Film Fest, concurso argentino de cortometrajes de temática ambiental, con la idea de fomentar la creatividad y apoyar la realización nacional independiente de obras audiovisuales cuyo contenido esté referido a la temática ambiental.
Green Tara produce y dirige el ciclo de cine francés Les Avant Premières, que realizó en 2015 su 7º edición en las salas de cine de Cinemark Palermo. Además, en el 2013 llevó adelante un innovador festival: el Anima Film Fest, Cine para el Alma; un festival cuyo objetivo es nutrir el espíritu, despertar alegría, motivación, difundir valores y estimular a la reflexion individual y colectiva para buscar una vida más felíz.
En todos los proyectos se trabaja en conjunto con organizaciones sociales y medios especializados, para potenciar el alcance de nuestras iniciativas y proyectos culturales. En los últimos años, en aquellos proyectos de temática ambiental, hemos aunado esfuerzos con diferentes ONG y medios, entre ellos: Fundación Vida Silvestre, Greenpeace Argentina, Sustentator, Ecomujeres, Banco de Bosques, Alianza Árboles, Cascos Verdes, Eco Bici, Creatividad Ética, Organicoopers, EHMA, Revista Ecosistema, Revista Ecomanía, BK Mag, Revista Bacanal y TuVerde.com. Asi mismo, en los proyectos de abordan la temática espiritual algunas de las organizaciones con las que hemos trabajados son: Kaladanda, El Arte de Vivir, Fundación Ineco, Fundación La Nación, Fundación Columbia, Mundo Invisible, Human Camp y Revista Sophia.
Green Tara está dirigida por Alejandra Cordes, Licenciada en Comunicación con especialización en estudios culturales por la Universidad de San Andrés y miembro de Nuevos Aires. Alejandra obtuvo una beca de intercambio en la Universidad de Bologna, Italia, y más recientemente fue seleccionada como Climate Champion por el programa Climate Generation del British Council y Fundación Vida Silvestre. El equipo de trabajo de Green Tara está conformado por jóvenes profesionales de diferentes áreas -comunicación, sociología, diseño gráfico, cine y producción audiovisual-, lo que nos permite un abordaje interdisciplinario de los proyectos y una mayor integración de todos los aspectos que intervienen en la cultura.
(Información de prensa) Ellos esperan por ti. De los guionistas de Los últimos días y La cueva, de los productores de El laberinto del fauno y El orfanato, el próximo 17 de septiembre se estrena en la Argentina Desde la oscuridad (Out of the Dark, EE.UU./Colombia/España, 2014), una película de Lluís Quílez filmada en Bogotá y protagonizada por Julia Stiles, Scott Speedman, Frank Cuervo, Pixie Davies, Alejandro Furth, Stephen Rea, Vanesa Tamayo y Guillermo Morales Vitola.
Una joven pareja, Sarah y Paul, y su pequeña hija Hannah se mudan a Colombia para hacerse cargo de una planta manufacturera que la mujer heredó de su padre. Luego de un breve tiempo, la pequeña empieza a experimentar extraños comportamientos. El matrimonio pronto es acechado por los espíritus de unos niños, quienes los arrastran a una historia oscura y siniestra relacionada con un aterrador secreto del pasado.
Desde la oscuridad es una película única, un escalofriante thriller sobrenatural y a la vez un drama social provocativo. Habla de una familia estadounidense cuyos sueños de una aventura sudamericana se convierten en una realidad aterradora. "Es una historia acerca de cómo el pasado se volverá en tu contra en muchas formas diferentes -afirma el productor Jonathan King-. Es sobre una familia específicamente, pero la idea es realmente acerca de su herencia y las consecuencias".
Desde la oscuridad es una historia de fantasmas e incorpora hábilmente temas de responsabilidad global y conciencia social. "Esta película definitivamente entra en el género de thriller sobrenatural -señala el productor Cristian Conti-. Pero lo que lo hace diferente es que se ocupa de las cuestiones sociales, específicamente la forma en que las decisiones tomadas en el primer mundo pueden tener un impacto en los entornos del mundo en desarrollo que ondulan a través de las generaciones".
La primera prioridad de los realizadores era encontrar un director que pudiera crear las imágenes inquietantes y el suspenso que cumplieran la premisa aterradora del guión. Una búsqueda internacional los llevó a Lluís Quílez, una estrella en ascenso en España. "Es un proyecto ambicioso -sostiene King-. Hacer una película de terror es siempre un proceso complicado. En éste también hay una gran cantidad de sucesos en la historia y las imágenes son muy importantes. Necesitábamos a alguien que supiera cómo hacer suspenso, una película de terror que no fuera normal en cualquier forma".
Quílez, que ha ganado numerosos premios en festivales por sus cortometrajes aclamados, está haciendo su debut como director de cine con esta película.
"Nos fijamos mucho en lo que necesitábamos en términos de dirección -asegura Conti-. Lluís tiene varios cortometrajes que demuestran una gran cantidad de conocimientos en el manejo de la tensión de una manera muy sutil y elegante. Su opinión sobre la historia estaba en sintonía con la nuestra. Vivimos en un mundo con cada vez más escasos recursos y el cambio climático. Nadie sabe realmente a donde van a ir las cosas. Las decisiones que tomamos hoy tendrán un impacto en nuestros hijos y los hijos de nuestros hijos. Va a ser muy real y tendrá un efecto definitivo en sus vidas. Las decisiones tomadas por unos pocos, tendrán un efecto dominó en muchos con el tiempo. Las decisiones tienen que hacerse pensando en 10, 20 o incluso 100 años de antelación”.
Se recorrió buena parte de Colombia para elegir las locaciones de esta película, debido a que los productores, la compañía española Apaches Entertainment y la estadounidense Participant Media, querían una historia de terror sobrenatural con un escenario tercermundista campestre. Luego del acuerdo con la productora colombiana Dynamo (Satanás, Contracorriente, La cara oculta y Roa), los guionistas españoles decidieron llamar Santa Clara al pueblo ficticio donde transcurre la historia. En la realidad las locaciones corresponden a Cachipay, Honda, Ambalema y Mariquita. Hubo mucho trabajo para Colombia en cuanto a extras y producción. Por ejemplo, la película comienza con la aparición de Elkin Díaz, famoso actor colombiano, que muy pronto es víctima de un macabro embrujo infantil.
Desde la oscuridad está hablada en inglés, lo cual resulta natural por el origen de los personajes y por el objetivo de cubrir el mercado anglosajón; por eso los actores protagonistas: la estadounidense Julia Stiles; el canadiense Scott Speedman y el británico Stephen Rea. La cinta, que se rodó durante siete semanas, contó con un equipo de 90 personas entre extranjeros y colombianos que viajaron desde Bogotá; alrededor de 900 extras y nueve niños que pertenecen a comunidades cercanas, ninguno de los cuales tenía experiencia en la actuación. Ellos interpretan a los misteriosos y aterradores visitantes de la familia Harriman.
(Información de prensa) A partir del 16 de septiembre, Turner distribuirá en España el nuevo trabajo de François Oilislaeger: Marcel Duchamp. Una partida entre mí y yo, “un ready-made para cómics”.
Con motivo de la gran retrospectiva de Marcel Duchamp que el pasado año acogió el Centro Pompidou de París, François Olislaeger ilustra y juega a los juegos de Duchamp a través de los escritos autobiográficos del ajedrecista y padre del arte contemporáneo en este libro-partida, libro-objeto que nadie puede no querer llevarse a su casa.
Aquí se cuenta la historia de las vanguardias y se explica de dónde vino cada obra (y cómo despareció el urinario), cómo lo que hizo Duchamp se llevó por delante lo que existía y abrió el camino a lo que vino después, y cómo en esa obra el arte y la vida son la sola cosa. Y si él lo decía mucho mejor (y por eso aquí lo cuenta él mismo), Olislaeger ha conseguido recrear en imágenes lo que es tan difícil parafrasear.
Editado en un curioso formato que al desplegarse se convierte en un friso ilustrado de seis metros de longitud, esta publicación es, más que un libro, un objeto de coleccionista:
- Un libro que se abre, que invita a pensar el formato de manera libre, original, distinta.
- Olislaeger recrea la vida del genio francés e incluye citas extraídas de entrevistas y escritos de Duchamp para convertir este libro en una muy diferente y original autobiografía.
- André Breton, Man Ray, Rose Sélavy, Andy Warhol... se dan cita en esta apasionante narración que nos lleva de una puerta que se abre al Étant donnés, pasando, claro está, por el urinario.
En Marcel Duchamp. Una partida entre mí y yo, Olislaeger, uno de los ilustradores más originales y reconocidos de la actualidad, ha ideado un libro-enigma que se abre a múltiples lecturas, invitando al lector a que sea él con sus elecciones y sus acciones quien vaya marcando el ritmo de lectura. También, construyendo la acción. Pensar el libro y la lectura de una manera diferente sin que eso signifique descuidar el contenido literario y artístico.
El libro rompe barreras y crea un sentido casi teatral que, además, permite al lector elegir qué caminos narrativos de los propuestos seguir, a qué personajes acompañar.
François Olislaeger (Lieja, 1978): Estudió artes gráficas en Lyon y trabajó en diversos periódicos y revistas. Ha publicado varios libros entre los que se encuentra Mathilde danser après tout editado en colaboración con la célebre bailarina francesa Mathilde Monnier. Actualmente vive en México y París.
Mi cuaderno de dibujos y viñetas (Colección Gráfica en Movimiento). Autora: Delius. Portada: Delius. Cordinador de la colección: Ezequiel García. 128 páginas a color. Ediciones Tren en Movimiento. ISBN: 978-987-37890-6-9. Argentina, 2014.
No tiene nada que ver con la película de Spike Jonze, pero la lectura de Mi cuaderno de dibujos y viñetas me hizo recuperar la misma placentera sensación de voyeurismo intelectual que me produjo (la idea más que el filme) ¿Quieres ser John Malkovich? Esa posibilidad de meterme directamente dentro de la cabeza de un ser emocionalmente pensante, justo en el momento en que se le enciende la lamparita de la creación, ese fuego sagrado que baja de las neuronas hasta los dedos (pasando por el corazón, claro), antes de derramarse libremente por un papel de naturaleza privada, nacido (creo yo) para no ser compartido hasta el instante en que la autora, veterana integrante del colectivo El Tripero, decidió hacerlo público.
Porque Mi cuaderno de dibujos y viñetas es eso que Delius (nombre artístico de María Delia Lozupone) afirma desde el título. Una Moleskine hecha libro, respetando el tamaño real de la original y sus fetichistas puntas redondeadas. Un cuaderno de notas como el que supieron utilizar Bruce Chatwin y Neil Gaiman (y Hemingway y Picasso y…), que compila y comparte dibujos sueltos, cortas historietas con un particular sentido del humor para recuperar tiempos y músicas pasados; y un jugoso diario de viajes ilustrado que la dibujante y diseñadora dejó fluir entre diciembre de 2008 y octubre de 2014.
El libro (que son tres en uno) me compró con el efecto acumulativo de sus formas y colores, de sus pequeños (grandes) hallazgos narrativos, algo inconexos entre las distintas partes pero unidos por la identidad autoral que llamamos estilo, percepción, vivencia. Mediante apuntes personales, reflexiones introspectivas, Delius resignifica su día a día, la materia visual de sus obsesiones, la grafía generada sin pretensiones de circulación editorial. Nos abre las puertas de su perspectiva, de los ojos con que mira (y ve) la realidad que la acompaña. Nos libra un pasaporte hacia su estado de Gracia.
Y eso nos obliga a ser agradecidos y respetuosos. Sobre todo por la confianza depositada en nosotros, lectores privilegiados de su (ahora compartida) intimidad.
Rebrote de la historieta argentina de aventuras Nº 1. Autores: Carlos Argüello, Felipe Ávila, Martha Barnes, Emilio Balcarce, Marcelo Bukovec, Charlie Casares, Gianni Dalfiume, Ángel “Lito” Fernández, Diego Garavano, José Massaroli, Edu Molina, Jorge Morhain, Lucho Olivera, Ernesto Parrilla, Rebrote, Víctor Segovia, Robin Wood. Portada: Collage realizado por Charlie Casares. Director: Felipe Ávila. Director Editorial: Julio Vivas. 76 páginas a color y en blanco y negro. Ideas Vivas Editorial. ISSN: 2422-6629. Argentina, julio de 2015.
¡Moreira! Nº 1. Autores: Alejandro Aguado, Sergio Almendro, Edmunds, Osvaldo Laino, Eduardo Maicas, Domingo “Cacho” Mandrafina, José Massaroli (basado en la obra de Eduardo Gutiérrez), Jorge Morhain, César Spadari. Portada: César Spadari. Director: José Massaroli. Director Editorial: Julio Vivas. 64 páginas en blanco y negro. Ideas Vivas Editorial. ISSN: 2422-6645. Argentina, julio de 2015.
Zona Cero Nº 1. Autores: Felipe Ávila, Emilio Balcarce, Marcelo Bukovec, Charlie Casares, Ricardo Ferrari, Leonardo Gauna, Diego Garavano, José Massaroli, José Nápoli, Ernesto Parrilla, Adrián Ruano, Berni Torre. Portada: Alejandro Burdisio. Director: Charlie Casares. Director Editorial: Julio Vivas. 64 páginas en blanco y negro. Ideas Vivas Editorial. ISSN: 2422-6637. Argentina, julio de 2015.
Aplaudo la quijotada. No tengo más que palabras de alabanza hacia esta iniciativa de regresar las revistas de historietas al que supo ser su reducto natural, los kioscos de diarios; y sin las espaldas que le representan a Fierro el llegar acompañando a uno de los tres matutinos más importantes de la Argentina. Si existe algo parecido a la Aventura en nuestros días, creo, debe encontrarse en la idea de la gente de la organización Rebrote, dedicada al estudio y preservación de nuestro noveno arte, organizados editorialmente alrededor de Julio Vivas, el mismo que hace 40 años se pusiera al frente de la hoy mítica Sancho.
Junto con Manuscritos apócrifos de la Conquista (Jorge Morhain - Domingo Mandrafina), publicado originalmente en Turay en 1974, las tres revistas recuperan material histórico de alta calidad, pertenecientes a las
revistas D’artagnan, El Huinca y una no identificada de la editorial MO.PA.SA.,
todas datadas entre 1966 y 1974
Rebrote, ¡Moreira! y Zona Cero, los tres lanzamientos simultáneos de Ideas Vivas Editorial, apuestan por el rescate del estilo Columba (que marcó a fuego la historieta argentina con El Tony, D’Artagnan, Fantasía, Intervalo y Nippur Magnum), sin aggiornamientos de ninguna especie. Más allá de algunas excepciones, la intención general de la propuesta pareciera ir por la ratificación de ese imaginario, anclado en una utilización tradicional de los géneros clásicos, propicia para el uso y abuso de fórmulas arcaicas por lo ya transitadas. El texto introductorio de Robin Wood y la promesa de un personaje de nombre Columba, terminan por explicitar aún más lo que quedaba claro de un principio; y (forzando un poco las cosas, es cierto) pueden llegar a ser vistos como el regreso de esa identidad redundante que pobló los peores momentos de la casa de la palomita.
Más allá de la opinión que cada uno tenga sobre la validez y vigencia del ideario columbero, lo cierto es que bajo esos parámetros creativos se han forjado notables ejemplos y hediondos especímenes de la historieta popular argentina (algo que también es válido para la llamada escuela oesterheldiana, dicho sea de paso). Sin caer en ninguno de estos extremos, transitando por la amplia correntada del medio, Rebrote, ¡Moreira! y Zona Cero se ven zarandeadas por la fuerza de las aguas. Dividir el esfuerzo en tres, me parece, no resultó la mejor opción. Una revista fuerte hubiera conformado, en mi opinión, un puntapié inicial mucho más sólido, firme y convincente que tres publicaciones desbalanceadas.
La ciencia-ficción de Tudo Bem (Emilio Balcarce - Diego Garavano), con toques de geopolítica y ecología sumamente actuales, es uno de los estrenos más interesantes de Zona Cero, pero el remontaje realizado (y una escala de grises no muy lograda) limita los logros que la serie alcanzó durante su serialización en las publicaciones de la Eura/Aurea italiana
Tampoco ayuda que la resolución técnico-tecnológica alcanzada esté muy por debajo de los estándares actuales. Las tres revistas están mal impresas, en un papel de muy baja calidad; y los remontajes a los que han sido sometidas algunas de las historietas no las ayudan para nada. Pero estos son escollos salvables. De priorizar las virtudes del estilo Columba por sobre sus defectos, Rebrote, ¡Moreira! y Zona Cero tienen con qué abrir las alas y remontar vuelo.
(Información de prensa) En su 15º aniversario, el Festival de Cine Alemán se enorgullece en contar nuevamente con la ya tradicional sala de Village Recoleta y agregar además una nueva sede: Village Caballito, dando así notables muestras del crecimiento que año a año ha sabido cosechar entre el público de Buenos Aires, transformándolo en un clásico y esperado evento cultural de la ciudad.
Como es costumbre, los filmes se exhiben en calidad de pre-estreno en la Argentina.
Dentro de la amplia selección de películas programadas se destaca Laberinto de mentiras, sobre un evento que cambió la visión de los alemanes sobre lo ocurrido durante la segunda Guerra Mundial. Su director, Giulio Ricciarelli, estará presentando personalmente la película.
Además, contaremos con la presencia de Laia Costa, excepcional protagonista de Victoria, de Sebastian Schipper, ganadora del Oso en el Festival de Berlín y filmada en una sola secuencia.
Para los más cinéfilos queremos destacar el divertido documental Remake, Remix, Rip-Off de Cem Kaya, sobre la industria cinematográfica turca de los años '60 y '70; y su particular y bizarra forma de realizar películas: De cada filme norteamericano existen varias versiones turcas.
Otro título para destacar es Who am I – No system is safe, una dramática historia sobre hackers, en donde nada es lo que parece. Esta película le abrió las puertas de Hollywood a Boran Bo Odar para dirigir su nuevo largometraje.
Laberinto de mentiras
En la sección Para toda la familia se presentarán Riko, Oscar y las sombras profundas y Ostwind, dos películas que disfrutarán tanto chicos como grandes.
Por supuesto, como siempre estará presente también la sección de cortometrajes Next Generation Short Tiger 2015.
Además, en conjunto con el Goethe Institut y la XV Bienal de Arquitectura se realizará la muestra La arquitectura como autobiografía de Heinz Emigholz, quien estará presentando las películas. Este ciclo se realizará en el auditorio MALBA de la Fundación Costantini.
El estudiante de Praga
Como ya es tradicional para el cierre, el Goethe-Institut nuevamente nos convoca con un largometraje destacado del cine mudo alemán y un clásico de la cinematografía mundial: El estudiante de Praga (1913), de Hans Heinz Ewers. El mismo se presenta en una versión restaurada por el Filmmuseum München. El acompañamiento musical en vivo estará a cargo de Marcelo Katz y Mudos por el Celuloide.
About a Girl (2014), de Mark Monheim: Charleen, de casi 16 años, es una de aquellas adolescentes que da la impresión de estar fascinada por la muerte y aburrida de su vida. Tal vez se deba a su pasantía en una empresa funeraria o a su pasión por Kurt Cobain. Un día en el que se siente especialmente melodramática y rebelde, decide quitarse la vida. Afortunadamente, su intento de suicidio no la lleva al más allá y ahora todo se complica: con su familia trastornada, un terapeuta que da miedo, una trabajadora social que sigue a rajatabla el contenido de los libros, una mejor amiga defraudada y un aula que no la entiende. Pero también está Linus, el nerd del colegio, al que descubre en el consultorio de su terapeuta. Que a pesar de ser un personaje particular, es divertido pasar tiempo con él y de a poco la vida cambia de color. Después de algunos “encuentros y acontecimientos inesperados”, Charleen descubre que lo opuesto a la muerte es el amor y que la vida se merece una segunda oportunidad. Una película sobre jóvenes/adultos, que evoca sentimientos positivos y describe la vida de una adolescente que analiza su vida tras un fracasado intento de suicidio. Esta tragicomedia divertida y emocionante, es una pícara declaración de amor a la vida. Con Jasna Fritzi Bauer, Heike Makatsch, Aurel Manthei, Simon Schwarz, Lauritz Greve, Dorothea Walda y Sandro Lohmann.
El concilio de los pájaros (Zerrumpelt Herz, 2014), de Timm Kröger: En 1929, el maestro de música Paul Leinert recibe una inesperada carta de su antiguo amigo Otto Schiffmann, un joven y talentoso compositor que dejó Berlín tras el fracaso de su matrimonio. Otto invita a Paul a visitar su cabaña en el bosque y mostrarle su nuevo trabajo, la largamente esperada sinfonía. Paul lleva a su esposa Anna y a su colega Willi. Los tres encuentran la cabaña, pero no a Otto. Al día siguiente, salen a buscarlo y Paul intuye algo extraño en el canto de los pájaros... Lleno de sonidos extraños, tal como el bosque en el que se desplazan los protagonistas, este filme, lejos de ser simple, es lo que podría describirse como una partitura polifónica de melodías e imágenes, donde el mundo real y el onírico se confabulan alrededor de una elegía a la fuerza de la naturaleza y los misterios del arte. Una historia inquietante, que genera cambios en todos los involucrados. En esta ambivalencia imprecisa entre un pathos romántico, a veces irónico y un drama genuino. Un filme sobre la búsqueda de la inspiración, que es a su vez extraña y esquiva; un potente potencial creativo que persiste en el ambiente que nos vuelve eufóricos, nos hace perder la cabeza y está profundamente enterrado en el oscuro bosque.
Una película insólita, que hace difícil creer que se trate de una ópera prima. Con Thorsten Wien, Eva Maria Jost, Daniel Krauss y Christian Blümel.
Cuando fuimos reyes (Wir waren Könige, 2014), de Philipp Leinemann: Dos grupos, un equipo SWAT de la policía y uno de jóvenes, cada uno por su lado han pasado la mayor parte del tiempo juntos durante varios años y han lidiado con situaciones difíciles que los ha unido. El grupo es su refugio, un remanso seguro, casi como una familia. El equipo policial está por ser disuelto por razones financieras y el grupo de jóvenes amenaza con fracturarse a raíz de una serie de acontecimientos que pondrá a prueba la lealtad incondicional de ambos. Policías y delincuentes, culpables e inocentes, en esta historia son difusos. Todos se ven atrapados en un encadenamiento violento de hechos y circunstancias que parecen no tener freno; el choque entre ambos grupos se vuelve inevitable. En una carrera contra el tiempo, todos persiguen a todos desesperadamente a fin de intentar salvar a sus amigos, su hogar y a sí mismos. Los jóvenes intentaran aferrarse a un mundo que inexorablemente se está disolviendo. Con Ronald Zehrfeld, Mišel Matičević, Mohamed Issa, Frederick Lau, Oliver Konietzny, Samia Chancrin, Thomas Thieme y Bernhard Schütz.
El fin de la paciencia (Das Ende der Geduld, 2014), de Christian Wagner: Corinna Kleist es jueza de un Juzgado de Menores en un distrito socialmente problemático de Berlín, donde la delincuencia juvenil la lleva a esforzarse por mejorar y acelerar los procedimientos judiciales. No solo su colega Wachoviak sino también la política y las autoridades representan un obstáculo en el camino. Entre tanto, un nuevo caso la conmueve de manera particular: El jefe del clan libanés de la droga en Berlín, Nazir, un joven de 21 años, utiliza a su hermano menor Rafiq como correo para sus negocios. Kleist quiere ayudar ante todo al hermano menor a dejar atrás la criminalidad, ya que pronto estará en edad de ser condenado como adulto. Sin embargo, no puede imaginar las consecuencias fatales que pueden tener sus esfuerzos... La película está basada en el libro homónimo de la fallecida jueza de menores Kirsten Heisig, quien revolucionó el sistema judicial de menores en Alemania. Con Martina Gedeck, Jörg Hartmann, Sascha Alexander Gersak, Sesede Terziyan, Mohamed Issa, Hassan Issa, Jörg Gudzuhn, Lukas Miko, Marie Gruber y Mathilde Bundschuh.
El peor de los casos (Worst Case Scenario, 2014), de Franz Müller: El Cine en el cine. ¿Siempre se puede estar peor? No para la diseñadora de vestuario Olga y el director Georg. Acaban de separarse y ahora están estancados juntos en un camping en la costa de Polonia, con algo que parece comenzar como un proyecto concreto sobre la Copa de la UEFA. El rodaje se transforma en una farsa caótica: Los actores y la trama cambian constantemente y día de por medio otro miembro del equipo de trabajo abandona el proyecto. Conflictos interpersonales, culturales y otras situaciones cómicas convierten el plan en un caos, nada sucede como estaba previsto y organizado. Mientras Georg histérico intenta cumplir con su deseo artístico y finalizar el rodaje de la película contra viento y marea, la producción cinematográfica se convierte en una mutación constante de la cual se desconoce el resultado final. ¿Qué película se filmará? Un filme sobre el cine, una comedia de cómo es posible siempre estar un poco peor, pero siempre seguir adelante. Con Samuel Finzi, Eva Löbau y Laura Tonke.
Laberinto de mentiras (Im Labyrinth des Schweigens, 2014), de Giulio Ricciarelli): Reconstrucción y el milagro económico en la Alemania de 1958. “Que un fiscal alemán no sepa lo que ha sucedido en Auschwitz, es una desgracia“, le dice el periodista Thomas Gnielka al jóven fiscal Johann Radmann. Casi 20 años después de la liberación de Auschwitz, predomina el silencio sobre los crímenes cometidos por los nazis y muchos de ellos siguen viviendo sus vidas como si nada hubiesen hecho. Contra la voluntad de su jefe, Radmann comienza a examinar el caso y se enfrenta a una red de negación, silencio y mentiras. En aquellos años, “Auschwitz” era una palabra que algunas personas nunca habían oído y otras querían olvidarla, lo más rápido posible. Solo el fiscal general Fritz Bauer alienta la curiosidad del joven fiscal. Radmann y Gnielka encuentran documentos que los llevan a desenmascarar a los culpables. A pesar de todas las piedras que se le ponen en el camino, el fiscal se entrega completamente a esta nueva tarea y está determinado a descubrir lo que realmente sucedió. Traspasa límites, discute con amigos, colegas y aliados y cada vez está más inmerso en este laberinto de mentiras y culpas. Pese a todos los enfrentamientos que esto implica, decide seguir en busca de la verdad, lo que cambiará la historia alemana para siempre. Este filme basado en hechos históricos detalla de manera sorprendente cómo se realizó el primer proceso judicial alemán, a finales de los '50, contra miembros de las SS que sirvieron en Auschwitz. Con Alexander Fehling, André Szymanski, Friederike Becht, Johannes Krisch, Hansi Jochmann, Johann von Bülow, Robert Hunger-Bühler, Lukas Miko y Gert Voss.
Las mentiras de los vencedores (Die Lügen der Sieger, 2014), de Christoph Hochhäusler): Fabian Groys es un conocido periodista de una revista política, que disfruta de una amplia libertad editorial, dado que sus investigaciones logran buenas ventas. Al no lograr avances en la investigación de un extraño caso de envenenamiento entre las tropas de las fuerzas armadas aliadas en Afganistán, decide dedicarse a un cruento reportaje sobre un suicidio en un zoológico. Los indicios se van acumulando y señalan que las diferentes historias están conectadas. ¿Se trata de pura coincidencia o será Groys víctima de figuras nebulosas que hábilmente le están brindando información? ¿Sigue siendo un periodista independiente de investigación o ha sido transformado en una marioneta atrapada en los hilos de una red desplegada por fuerzas desconocidas? Y si este es el caso, ¿cómo puede recuperar su independencia si está luchando contra un oponente que se esconde en las sombras? El filme muestra con sorprendente detalle los mecanismos de espionaje y conspiración de los sistemas de poder y control de las grandes corporaciones mundiales, que afectan tanto a los estratos políticos como a los personales. Un thriller político que gira en torno al poder, las prácticas de lobby corporativo y la manipulación de los medios. Con Florian David Fitz, Lilith Stangenberg, Hannes Hubach, Karina von May y Carlo Bühler.
Ostwind (2013), de Katja von Garnier: Mika, una adolescente de 13 años, está convencida de que no sirve para absolutamente nada y está obligada a depender de sí misma, porque sus padres no se ocupan de ella. No obstante, es inteligente y logra pasar al siguiente grado en el colegio. El éxito académico, tiene su precio: En lugar de pasar las vacaciones en un campamento y divertirse, debe estudiar para los próximos exámenes. ¡Qué manera de pasar las vacaciones de verano! Sus padres la dejan al cuidado de su estricta abuela, dueña de una estancia en la que cría caballos. Un día descubre en el box más oscuro del establo al salvaje y arisco Ostwind. El caballo es tan impredecible y peligroso que nadie puede domarlo. Atraída por la magia del nervioso animal y contra toda advertencia y consejo, Mika se acerca a Ostwind sin miedo.
Es el comienzo de una inusual amistad. Mika descubre su verdadera pasión y un don único: Habla el lenguaje de los caballos. ¿Pero logrará escuchar la voz de su corazón y amansar a Ostwind frente a la aguerrida resistencia que demuestra? Una historia conmovedora sobre la amistad entre dos personajes muy distintos, unidos por la soledad, que juntos enfrentarán sus miedos. Con Hanna Höppner, Marvin Linke, Cornelia Froboess, Tilo Prückner, Detlev Buck, Nina Kronjäger, Jürgen Vogel, Marla Menn, Henriette Morawe y Amber Bongard.
¡Por la vida! (Auf das Leben, 2014), de Uwe Janson: A pesar de los golpes de la vida y su edad, la ex cantante de cabaret Ruth, está plena de vitalidad hasta el día que tiene que dejar su casa a causa de un remate judicial. El día de la mudanza conoce al joven Jonas, quien tiene una enfermedad que trata de ocultar, y vive en una combi desde su separación matrimonial. De este encuentro se desarrolla paulatinamente una amistad, alimentada porque ambos comparten el mismo anhelo: Encontrar una persona que les dé sostén y seguridad en la vida.
El director Uwe Janson nos traslada entre la II Guerra Mundial, la generación de la posguerra y la actualidad, con una naturalidad asombrosa. Un drama que trasciende las generaciones. "¡Por la vida!" se traduce al hebreo como “L’chaim”, el famoso brindis judío que simboliza la atmósfera de este film, un brindis a la vida. Con Hannelore Elsner, Max Riemelt, Sharon Brauner, Aylin Tezel, Andreas Schmidt, Matthieu Carrière, Catherine Flemming, Markus Maria Profitlich, Timothy Peach, Nikola Kastner, Martin Neuhaus, Matthias Bundschuh, Dagmar Sachse, Nele Rosetz, Georg Marin y Markus Gertken.
Remake, Remix, Rip-Off (2014), de Cem Kaya: En los años sesenta y setenta, la industria del cine turco era una de las más prolíficas del mundo. Para satisfacer la demanda de los espectadores, creadores y productores encontraron una solución: Trasladar a su cultura grandes éxitos de todo el mundo. Pensemos en cualquier éxito de Hollywood y encontraremos su versión turca, realizada con ínfimo presupuesto y un descaro más allá de cualquier complejo: Rambo, El mago de Oz, El exorcista, Superman, Star Trek, Mujer bonita... Ninguna producción por delirante que fuera, se resistía a la cultura del remake y a la necesidad de compensar la escasez de maquinaria y de presupuesto con un empleo excesivo de mano de obra detrás y delante de la cámara. Una sinopsis podría ser intimidatoria, pues en rigor, este documental recorre con inteligencia pedagógica la historia del cine turco desde los años sesenta. Pero aunque el tema parezca muy especializado, lo cierto es que el resultado no lo es. Más bien al contrario, en su apasionada investigación, amplia y dinámica, ambiciosa y entretenida, descansa una de las cuestiones más fascinantes de la creación fílmica: La cultura pop y el remake cinematográfico.
Esta es la historia de cómo la reescritura y el reciclaje de imágenes nacen desde la necesidad comercial para convertirse en una poderosa reflexión sobre los resortes de la creación posmoderna. No cabe duda, Tarantino adorará este film. Con Memduh Ün, Kunt Tulgar, Giovanni Scognamillo, Murat Özcan, Yılmaz Atadeniz, Birsen Kaya, Savaş Arslan, Sabri Demirdöğen, Melih Gülgen, İzzet Günay y Süheyl Eğriboz.
Rico, Oscar y las sombras profundas(Rico, Oskar und die Tieferschatten, 2014), de Neele Leana Vollmar: Todos llevamos un héroe dentro. Rico tiene diez años y es un chico especial. Centro de las bromas y las burlas, pero en verdad es un niño con un sexto sentido para los pequeños detalles, brillante y leal. Cuando encuentra un macaroni (“si, un fideo”) en la calle, decide salir en la búsqueda del propietario del “macaroni perdido y hallado”, conoce a Oscar, un niño superdotado. Ambos se convierten en amigos inseparables. En el monoblock en el que vive Rico ocurren cosas extrañas. Pero no es hasta que su nuevo amigo Oscar es secuestrado, que Rico encuentra la oportunidad de poner a prueba su tenacidad y sus múltiples habilidades. El misterio que pone en marcha este filme para toda la familia, basado en la exitosa novela juvenil de Andreas Steinhöfel, mantendrá atentos a niños, jóvenes y adultos. Con Anton Petzold, Juri Winkler, Karoline Herfurth, Ronald Zehrfeld, Milan Peschel, Anke Engelke, Katharina Thalbach y Ursula Monn.
Somos jóvenes. somos fuertes. (Wir sind jung. Wir sind stark, 2014), de Burhan Qurbani: Agosto de 1992. En el distrito Lichtenhagen de Rostock, en una urbanización de monoblocks, algunos jóvenes desempleados luchan contra el aburrimiento y las frustraciones. Cuando llega la noche atacan a la policía y a los inmigrantes. La dimensión de los conflictos se torna tan amenazadora que las autoridades deciden evacuar a los romaníes que esperan asilo. Los vietnamitas, sin embargo, permanecen en la así llamada “Casa de los girasoles“. Los disturbios se agravan, pero la policía se retira. Se desata una noche de violencia frente a una multitud que observa y aplaude. Somos jóvenes. Somos fuertes. no realiza un análisis político o ideológico, pero sirve de recordatorio, porque trae a la memoria una catástrofe nacional ocurrida en nombre del patriotismo. La película cuenta cómo los tiempos de crisis alimentan ciegos radicalismos de derecha, como ocurrió entonces en la recién reunificada Alemania y ocurre hoy en muchos estados europeos. Burhan Qurbani, hijo de inmigrantes afganos, no intenta explicar sus personajes, menos aún su ideología. Los mismos jóvenes que vociferan “¡Alemania!“ como grito de guerra, también cantan la Internacional Comunista o la canción “del pequeño trompetista“, popular en la RDA. Sus acciones están provocadas por una rabia ciega, no por una ideología consciente. Con Devid Striesow, Jonas Nay, Trang Le Hong, Joel Basman, Saskia Rosendahl, Thorsten Merten, Paul Gäbler, David Schütter, Jakob Bieber, Swantje Kohlhof, Mai Duong Kieu, Aaron Le, Larissa Füchs y Axel Pape.
Superegos (Über - Ich und Du, 2014), de Benjamin Heisenberg: Nick es un delincuente de poca monta. Para escapar de sus acreedores, aprovecha una confusión y acepta hospedarse en la cabaña de vacaciones del excéntrico psicoterapeuta retirado Curt Ledig para ocuparse de él. A la vez para Curt, Nick es un excelente objeto de estudio y experimentación psicologica. Ledig por otro lado arrastra una antigua culpa moral, pues fue un protegido de Goebbels durante la segunda guerra y su objetivo es limpiar sus culpas. Nick necesita dinero para pagar sus deudas y vende los libros de colección de la biblioteca de Curt. Esta amistad de amor/odio lleva a una simbiosis en la que Nick asume algunas de las fobias de Curt y este enfrenta a los acreedores de Nick. Superegos trata sobre dos diferentes complejos de culpa. Benjamin Heisenberg demuestra con esta película que los representantes de la escuela de Berlín también son capaces de hacer comedias inteligentes y divertidas. Con André Wilms, Georg Friedrich, Susanne Wolff, Maria Hofstätter, Elisabeth Orth, Margarita Broich, Markus Schleinzer, Bettina Stucky, Johanna Bantzer y John Keogh.
Tour de force (Hin und Weg, 2014), de Christian Zübert: Vivir la vida como si fuese el último día. Cada año Hannes y Kiki, junto a su grupo de amigos más cercanos, realizan un viaje en bicicleta. Este año les toca elegir el destino del viaje y Hannes propone que el trayecto sea de Frankfurt a Ostende en Bélgica. Nadie sospecha cual es el porqué de la elección de este destino. Cuando se enteran que el viaje tiene un motivo adicional, todo parece derrumbarse. A medida que avanzan, entienden que es el viaje y no el destino lo que verdaderamente importa. Cada uno encuentra una manera de enfrentar la difícil realidad y un viaje distinto comienza. Una película dramática que nos hace reflexionar sobre la eutanasia, un tema que sigue siendo un gran tabú en muchos países del mundo, es también una experiencia emocional que no deja de hacer reír y festejar el amor. Con Florian David Fitz, Julia Koschitz, Jürgen Vogel, Miriam Stein, Volker Bruch, Victoria Mayer, Johannes Allmayer y Hannelore Elsner.
Un regalo de los dioses (Ein Geschenk der Götter, 2014), de Oliver Haffner: Sorpresivamente, Anna, actriz estable del teatro estatal de Ulm, se encuentra desempleada y se ve obligada a buscar nuevos desafíos. En la bolsa de trabajo la consideran de difícil inserción laboral, por lo que acepta la propuesta de dirigir un taller de teatro para 8 desempleados sin saber con qué personajes, dramas personales y situaciones cómicas se encontrará. Anna decide trabajar sobre la obra Antígona; y logra de a poco convertir lo que empezó sin ganas y con frustración en una experiencia transformadora para cada uno de los involucrados. Este filme es la propuesta de un trabajo colectivo para vencer el desánimo y el retrato de una Alemania que, a pesar de sus diferencias sociales, necesita permanecer unida y ejercitar la solidaridad. Con Katharina Marie Schubert, Adam Bousdoukos, Katharina Hauter, Rainer Furch, Marion Breckwoldt, Maik Solbach, Canan Kir, Rick Okon, Paul Faßnacht y Eva Löbau.
Victoria (2014), de Sebastian Schipper: Victoria, una joven madrileña, conoce a cuatro chicos en Berlín a la salida de un boliche, que harán que su estadía se vuelva inolvidable. Ellos quieren que la noche no tenga fin y uno sospecha que las cosas no resultarán bien para ella. Efectivamente el momento de fiesta se va a ver teñido por una deuda del pasado de uno de los chicos del grupo. Victoria termina asumiendo un rol clave en lo que comienza como una alocada aventura, que se transforma rápidamente en una pesadilla. De repente se dan cuenta de que esta situación es a todo o nada... Aunque al principio la historia parezca ir por un rumbo con toques de comedia romántica, termina dando un giro hacia el suspenso y la acción, que nos dejará cautivos y sin aliento. Una película sobre jóvenes adultos que quieren más, sobre el amor a primera vista y el agitado ritmo de una gran ciudad. Un filme con un ritmo vertiginoso, salvaje, diferente, tal vez la propuesta más revolucionaria del cine alemán de los últimos años. Una de las particularidades de la película es que está filmada con un solo plano secuencia, realizado con mucha precisión; ya que filmar 140 minutos de una vez y que salga bien es algo complejo. Con Frederick Lau, Laia Costa, Franz Rogowski, Burak Yigit y Max Mauff.
Who Am I - No System is Safe (2014), de Baran bo Odar: ¿Qué tiene que pasar para que alguien se convierta en uno de los hackers más buscados del mundo? Benjamín parece un joven sencillo que no tiene amigos y usa internet para pasar el tiempo, hasta el día que conoce al carismático Max. Junto con los amigos de Max, forman el grupo de activistas cibernéticos CLAY. Por primera vez Benjamín se siente conectado con su generación. CLAY provoca divertidos ataques cibernéticos. Lo que empezó como un juego, pronto se convierte en algo cuya magnitud nadie pudo advertir, hasta que el servicio secreto alemán y Europol comienzan a perseguirlos. En ese momento Benjamín se ve obligado a enfrentar la consecuencia de sus acciones. Un thriller atrapante, un rompecabezas narrativo y estético donde nada y nadie es lo que parece. Con Tom Schilling, Elyas M’Barek, Wotan Wilke Möhring, Antoine Monot Jr., Hannah Herzsprung y Trine Dyrholm.
El estudiante de Praga (Der Student von Prag, 1913), de Hanns Heinz Ewers: Corre el año 1820 en Praga. El estudiante Balduin salva a la condesa Margit de morir ahogada y se enamora de ella. Para mejorar su estatus social y participar en la vida aristocrática, acepta un pacto con el anciano usurero Scapinelli, a quien le vende la imagen de su reflejo en el espejo. Cuando su “reflejo” comienza a intervenir en su vida, Balduin se convierte en la víctima de su propio accionar macabro. Con Paul Wegener, Lyda Salmonova, Grete Berger, John Gottowt, Lothar Koerner y Fritz Weidemann.
Siguiendo la tradición del romanticismo, en 1913 el director Hanns Heinz Ewers, con la asistencia del director danés Stellan Rye, realiza una perfecta combinación entre un cine de terror y una película de arte. Conocido como escritor de historias fantásticas, Ewers se interesó por el aún joven medio cinematográfico y lo descubrió como un lugar de representación de espejismos iridiscentes para el subconsciente y el abismo. El verdadero poeta de este filme fue el camarógrafo Guido Seeber, quien con la fotografía de doble exposición logró algo sumamente novedoso para el momento. Críticos de la época cuentan que, ante la aparición de imágenes dobles, el público temía mirar la pantalla. En este film, lo imposible se convirtió en realidad fotográfica. El uso de trucos ópticos marcó una diferenciación con el teatro para consolidarse como una expresión propiamente dicha, y generó así la primera película de autor. El Estudiante de Praga es además uno de los primeros largometrajes para el cual se compuso música original. Los actores de esta película pertenecían a la élite del Deutsches Theater, en Berlín.
Musicalización: Mudos por el Celuloide: Eliana Liuni (clarinete, saxo soprano, flautas, armónica, serrucho, percusión y efectos) y Marcelo Katz (piano, saxo alto, procesamiento sonoro, percusión, efectos, composición y dirección musical. Música invitada: Barbara Togander (voz, bandeja gira discos y bajo eléctrico).
Next Generation Short Tiger 2015
German Films, junto con la Filmförderunganstalt (FFA) presentan el programa de cortometrajes Next Generation Short Tiger 2015 que reúne los mejores cortos alemanes de menos de 5 minutos (ganadores del premio Short Tiger) y los cortos más destacados realizados por estudiantes de cine alemanes con una duración menor a 15 minutos.
Next Generation Short Tiger te invita a descubrir las nuevas tendencias del cine y asistir al nacimiento de jóvenes talentos. El programa permite embarcarse en un viaje a través de una variedad de estilos y temáticas, explorados desde perspectivas vitales que a menudo son impactantes y sorprendentes, pero sobre todo positivas y con sentido del humor. Estos cortometrajes nos confirman de nuevo que este género es una forma de arte independiente que merece su lugar en la gran pantalla y recibir el reconocimiento de la audiencia.
3 Postales (3 Postcards, 2015), de Stefan Gieren: Estamos en Nablus, en busca de dos chicos refugiados: Lusaka, que asiste a una ilusoria fiesta nacional; Mazar-e-Sharif, que está en el campo donde se juega al buzkashi. En este documental, el director Stefan Gieren escribe tres postales cinematográficas con observaciones muy personales sobre la gente de estos lugares.
Oso (Bär, 2014), de Pascal Flörks: El pasado de mi abuelo siempre estuvo muy presente. Estaba a punto de salir a la luz en cualquier cosa que dijera o hiciese, pero el abuelo jamás habría hablado de ello. Hoy por fin, al reexaminar su vida y su personalidad tal como la conocí, siento todo el peso de su legado.
Espacio protegido (Safe Space, 2014), de Zora Rux: Patrick y Sara, un refugiado y una berlinesa. Ambos colaboradores de un grupo que lucha por los derechos de los refugiados en Alemania. Cuando una aproximación inofensiva termina derivando en agresión sexual, el grupo se ve forzado a repensar sus fines, sus ideales y el precio que están dispuestos a pagar por ello. La historia de amor privada entre los protagonistas cobra de repente una dimensión política que nadie buscaba. Con Maëlle Giovanetti, Gorges Ocloo, Thelma Buabeng, Franziska Wulf, Viola Neumann y Sven Taddicken.
Herman The German (2015), de Michael Binz: Herman es uno de los desactivadores de explosivos más experimentados de Alemania. En un examen médico le comunican que padece el síndrome de Kahnawake, un trastorno muy infrecuente que impide saber qué es el “miedo“. Para curarse no tendrá otra opción que someterse a sus fobias. Con Gustav Peter Wöhler, Anke Engelke, Hans-Martin Stier, Kerstin Thielemann, Piet Fuchs, Dolunay Gördüm, Igor Novic, Enno Kalisch, Thorsten Franzen y Mareike Hein.
El cebo (Lure, 2014), de Linda Luitz y Wunna Winter: Un perrito es la causa de que se crucen los caminos de un chico gordo y una anciana atada a una silla de ruedas, personas aisladas cada una a su manera. ¿Será el comienzo de una maravillosa amistad?
Ni demasiado temprano, ni demasiado tarde (Nicht zu früh, nicht zu spät, 2015), de Miraz Bezar: A sus 12 años de edad, Devrim está siempre buscando nuevas aventuras en compañía de Joshua, su mejor amigo. En su imaginación, han sobrevivido a la tundra helada y hasta a invasiones extraterrestres. Pero a veces la línea que separa fantasía y realidad es muy delgada. Una historia sobre la amistad y lo maravilloso e inocente de la infancia. Con Felipe Mahmoud, Mert Tuysuz, Durmus Cakmak, Marianne Graffam, Jeff Gielkens, Christian Wewerka y Lucie Aron.
Nuggets (2014), de Andreas Hykade: Un kiwi prueba el sabor de un nugget dorado. ¡Está delicioso!
Fobos (Phobos, 2014), de Noah Schuller: Está en esta misma habitación. Quiero forzarme a mirarlo cara a cara. La visión se vuelve borrosa.
El regalo (The Present, 2014), de Jacob Frey: Jake pasa casi todo el tiempo en casa jugando con videojuegos hasta que su madre decide hacerle un regalo.
El zoo de Qalqilya (Qalqilya’s Zoo, 2014), de Thomas Toth y Michael Schaff: En los territorios palestinos hay un único zoo: El de Qalqilya, una ciudad rodeada por el muro israelí de Cisjordania. Narrado por el Dr. Sami Khader, veterinario y taxidermista, el documental refleja la precaria situación del zoo y la vida en Cisjordania.
Whole (2014), de Verena Klinger y Robert Banning: Una relación se ve puesta a prueba cuando el marido decide hacer un sacrificio radical por su esposa.
Envoltorios (Wrapped, 2014), de Roman Kälin, Falko Paeper y Florian Wittmann:Wrapped utiliza fotografía secuencial combinada con efectos visuales para encontrar nuevas maneras de ver procesos naturales. La obra estudia efectos del tiempo y el cambio, centrándose en la aparente inmutabilidad de los ciclos de las cosas. El deterioro de algo sienta los fundamentos para que nazca otra cosa.
Heinz Emigholz: La arquitectura como autobiografía
Nunca antes el cine había registrado la percepción del espacio arquitectónico de manera tan expresiva como las series de arquitectura y fotografía de Heinz Emigholz. Emigholz es uno de los pocos artistas que indagan una y otra vez los límites entre arte y cine. Sus ensayos documentales expresan una permanente exploración de posibilidades y niveles de percepción del tiempo y del espacio a través de la imagen cinematográfica. Hace años que Emigholz viaja por el mundo captando imágenes afines de edificios y construcciones de arquitectos muchas veces olvidados o marginados por la percepción del establishment.
Heinz Emigholz nació en Achim, Alemania. Es realizador, artista visual, escritor y productor en Alemania y los Estados Unidos desde 1973. Realizó un gran número de exposiciones, retrospectivas, conferencias y publicaciones. En 1984 comenzó la serie Fotografía y más allá de la cual forman parte Arquitectura como autobiografía y Retirada del modernismo. Las series incluyen trabajos sobre Louis Sullivan, Adolf Loos, Robert Maillart, Rudolph Schindler, Bruce Goff, Pier Luigi Nervi, Auguste y Gustave Perret.
Pier Luigi Nervi y el Concreto Romano (Parabeton – Pier Luigi Nervi und römischer Beton, 2012): 17 edificios del ingeniero civil italiano Pier Luigi Nervi en Italia y Francia combinados con tomas de construcciones romanas de concreto. Inventor, maestro de las estructuras de concreto y el arquitecto de arquitectos del siglo XX, Nervi ideó y construyó el rascacielos Pirelli en Milán, el Cuartel General de la Unesco en París, el Palacio de los Deportes de Roma y el Salón Papal del Vaticano, entre otros. El montaje de estos trabajos, interrumpido de tanto en tanto por imágenes de otras grandes estructuras romanas antiguas, le sirve a Emigholz no sólo para trazar un vínculo entre las construcciones revolucionarias de Nervi y las invenciones pioneras romanas, sino también para retrotraer su monumental repaso del ascenso y caída de la arquitectura moderna hasta los orígenes mismos de la Modernidad.
Perret en Francia y Argelia (Perret in Frankreich und Algerien, 2012): 30 edificios y conjuntos realizados en Francia y Argelia por los arquitectos e ingenieros civiles Auguste y Gustave Perret. Se destacan por un refinamiento magistral de la construcción con hormigón. En paralelo a sus obras realizadas en Francia, Perret (1874-1954) construyó también en épocas del colonialismo en el Norte de África. En la película, las obras construidas entre 1912 y 1952 en ambos países son presentadas cronológicamente, de este modo es posible comparar el trato diferenciado que recibe el “legado arquitectónico” en culturas divergentes. La forma en que la modernidad –su valor simbólico y su perdurabilidad- se inserta en ambas culturas se observa en la interacción de sus productos con un entorno de situaciones sociales y paisajes variados.
The Airstrip (2013): Imaginemos un espacio aéreo en el que fue lanzada una bomba. La bomba aún no llegó al lugar donde impactará. Vuela hacia él y ya no se podrá detener. El tiempo entre el lanzamiento y la explosión de la bomba no es futuro –la destrucción inevitable aún no tuvo lugar– ni pasado –la bomba lo destruirá inevitablemente-. El tiempo de vuelo de la bomba describe de esta manera la nada absoluta, la hora cero que encierra en sí todas las posibilidades que dejarán de existir al siguiente instante. Una historia que termina antes de comenzar y que se relata aquí por pura obstinación: Un viaje arquitectónico hacia lo inconmensurable de Berlín pasando por Arromanches, Roma, Breslavia, Görlitz, París, Bolonia, Madrid, Buenos Aires, Atlántida, Montevideo, México DF, Brasilia, Tokio, Saipán, Tinian, San Francisco, Dallas, Binz a Berlín.
Dos museos. (Zwei Museen, 2013): La película confronta dos museos: El Museum of Art en Ein Harod, Israel, construido en 1948 por Samuel Bickel), y The Menil Collection en Houston, Texas, construido por Renzo Piano en 1986. El manejo de la luz natural en la construcción de Bickel le sirvió de modelo a Piano, que se hizo cargo del proyecto por encargo de la mecenas Dominique de Menil. La película se rodó en marzo de 2012 en Houston, Texas, y en mayo de 2012 en Ein Harod, Israel.
Loos ornamental (2008): 27 edificios y decoraciones interiores del arquitecto austriaco Adolf Loos presentados en orden cronológico de su construcción. Adolf Loos fue uno de los fundadores de la arquitectura moderna europea. Si giro radical en contra de los adornos ornamentales de edificios se convirtió en un caso de disputa de la teoría arquitectónica. El desarrollo de su Raumplan (concepto espacial) puso en vigencia un nuevo pensamiento acerca de los espacios a construir. Las construcciones –casas particulares, decoraciones de tiendas y viviendas, fachadas y monumentos- datan de los años 1899 a 1931 y fueron filmados en 2006 en Austria, Checoslovaquia y Francia.
Ornamento y delito de Adolfo Loos (Ornament und Verbrechen von Adolf Loos, 2008): Con la voz de Carola Regnier, el ensayo reproduce la famosa conferencia de Adolf Loos Ornamento y delito (1908), en la que carga contra las artes decorativas diciendo, nada menos, que la idea de ornamento retrasaba la evolución cultural de los pueblos, además de ser fuerza de trabajo y material desperdiciado. Se trata de un texto imprescindible para entender la evolución de la arquitectura moderna. Las imágenes que acompañan la lectura son tomadas de lápidas sepulcrales de mármol del siglo XVIII en la catedral San Juan de La Valeta, Malta.
La cueva de DʼAnnunzio (D’Annunzios Höhle, 2005): 15 habitaciones de la Villa de Cargnacco, a orillas del lago de Garda, habitada por Gabriele d'Annunzio entre 1921 y 1938. La villa forma parte del Vittoriale, un parque temático construido en honor a d’Annunzio, a cuyo diseño se dedicó él mismo durante dos décadas junto a su arquitecto Giancarlo Maroni. El 24 de junio de 2002 se realizó un encuentro cinematográfico improvisado en el que cuatro camarógrafos y cineastas (Irene von Alberti, Elfi Mikesch, Klaus Wyborny und Heinz Emigholz) documentaron los ambientes y el inventario de la villa en simultáneo pero en espacios diferentes y cada uno con su estilo individual. La cueva de d’Annunzio surgió como resultado de dicha acción.
Las casas de Schindler (Schindlers Häuser, 2006): 40 edificios del arquitecto austro-americano Rudolph Schindler de los años 1921 a 1952. Con su trabajo pionero en el sur de California Schindler fundó una rama propia de la arquitectura moderna. Todas las filmaciones se realizaron en mayo de 2006. La película constituye un retrato actual del hábitat urbano de Los Ángeles que jamás había sido documentado de esta manera.
Goff en el desierto (Goff in der Wüste, 2002): La fotografía fílmica de Heinz Emigholz se acerca a los espacios concebidos por el arquitecto norteamericano Bruce Goff (1904 – 1982). Exponente de un estilo incomparable, jamás previsible, surgido de su entrega radical a la tarea constructiva, Goff fue una figura controvertida y en parte hostigada.
Las controversias provocadas por la obra de Bruce Goff se volvieron leyenda. Casi todos sus edificios resultaron un shock en el paisaje, que liberaba nuevas, hasta entonces insospechadas, posibilidades de arquitectura. La película se rodó a lo largo de 40 días en abril y mayo de 2002, durante un viaje de 9.200 millas a través de los Estados Unidos.
Los bancos de Sullivan (Sullivans Banken, 2001): El arquitecto Louis H. Sullivan (1856-1924) revolucionó la escena arquitectónica de los EE.UU. con sus fachadas colgantes- , mientras abogaba por ‘una construcción democrática’, pues sostenía que detrás de la fachada física de cada edificio se esconde el estado psíquico de su creador y de la sociedad entera. El resultado: Una dialéctica inaudita de ornamento, estructura de acero y escala humana, en el lugar más abstracto de la democracia, el banco.
Los puentes de Maillart (Maillarts Brücken, 1995-2000): Entre 1910 y 1935 Robert Maillart revolucionó la construcción con hormigón armado y concibió un mundo de formas hasta entonces desconocido al limitarse a las estructuras portantes, que redefinió en sus obras.
