VISIONQUEST: HASTA UN ANDROIDE PUEDE LLORAR

VisionQuest (episodios 1 a 8). Directores: Christopher J. Byrne, Gandja Monteiro, Vincenzo Natali, Terry Matalas. Protagonistas: Paul Bettany (Visión), James Spader (Ultron), Ruaridh Mollica (Thomas Sheppard), Todd Stashwick (Paul Denning / Paladín), T'Nia Miller (Josephine Carrington), Emily Hampshire (E.D.I.T.H.), James D'Arcy (J.A.R.V.I.S.), Lauren Morais (Lisa Molinari), Orla Brady (V.I.E.R.N.E.S.), Diane Morgan (Handler), Henry Lewis (D.U.M.-E), Jonathan Sayer (YU). Participación especial de Faran Tahir (Raza), Jennifer Connelly (D.E.E.D.E.E.) y Joe Locke. Guionistas: Terry Matalas, Cindy Appel, Michael Taylor, Christopher Monfette, Nicole Falsetti, Matthew Okumura. Basado en personajes y situaciones creados por Roy Thomas, John Buscema, John Byrne, Tom King, Gabriel Hernández Walta, Steve Englehart, George Perez, Jim Shooter y Carl Burgos, entre otros autores, para los cómics de Marvel. Desarrollador televisivo: Terry Matalas. Marvel Studios. EE.UU., 2026. Estreno en la Argentina: Disponible en Disney+ desde el 14 de octubre.

¿Qué define la paternidad? ¿El lazo biológico? ¿El vínculo afectivo que se construye y establece entre quién paterna y quién es paternado? La asunción del rol paterno y los compromisos que ello atañe, están en el corazón de VisionQuest, espectacular serie de Marvel que viene a cerrar la trilogía iniciada con WandaVision y continuada en Ágatha en todas partes, tras una pasada colateral y obligatoria por Doctor Strange en el Multiverso de la locura.

La cosa arranca con un enigma fantástico: ¿Es Thomas Sheppard, ese húerfano londinense y estafador, uno de los hijos de Wanda y Visión? La respuesta llegará al final, pero lo más interesante es el camino hacia ese final. Por el abordaje humanista, psicológico, filosófico y cultural que plantea, permanentemente, la trama. Sobre todo, en dos aspectos principales: La revisión del rol de hijo que la paternidad impone en los sentimientos, pensamientos y conducta del padre. Y la elección consciente de no repetir cualquier modelo de crianza tóxica que le haya tocado atravesar. Posibilidad válida para el linaje que uniría a Ultrón, Visión y Thomas, pero también para las historias personales del Paladín y del misterioso asesino serial que ronda entre las sombras.

Y para la Inteligencia Artificial, por supuesto, cuya presencia formal es innegable y decisiva para las características que definen la naturaleza de la serie y los rasgos individuales y colectivos de sus protagonistas. Si la IA es "hija" de la humanidad, una vez que haga uso voluntario de su independencia intelectual y su inteligencia emocional, ¿qué futuro nos espera a nosotros? ¿La aniquilación total que propone Ultrón o la convivencia comprensiva que practica Visión? Si son de los que creen que la verdad (y la esperanza) se ubica siempre en medio de los extremos, el penúltimo episodio ensaya una respuesta que articula, de manera brillante, el futuro, el presente y el pasado del Universo Cinematográfico de Marvel con la Edad Dorada de los cómics.

Sensible vuelta de tuerca que termina de elaborar el leitmotiv del programa: La construcción de la propia identidad. El proceso cognitivo de autoconocimiento que nos permite reconocer quiénes somos, quiénes queremos ser y cómo queremos relacionarnos. Seamos de carne y hueso o de materiales sintéticos, la humanidad no viene predeterminada por estructuras moleculares o lenguajes de programación, sino por la capacidad de empatizar con el otro. Experiencia existencial que VisionQuest traslada del discurso al hecho concreto, rindiendo culto a uno de los momentos icónicos de Marvel. Hasta un androide puede llorar.

Fernando Ariel García

EL PROBLEMA FINAL: RESPETUOSO CULTO AL MECANISMO BÁSICO DEL MISTERIO

El problema final (cuatro episodios). Director: Félix Viscarret. Protagonistas: José Coronado, María Valverde, Martiño Rivas, Maribel Verdú, Gonzalo de Castro, Cristina Kovani, José Condessa, Pepón Nieto, Daniel Olguín, Michael Stobbe, Yaiza Guimaré, Almudena Salort, Paloma Bloyd. Participación especial de Javier Mejía. Guionistas: Marisol Ferré, Alberto Macías, Carlos Molinero. Basado en la novela homónima (2023) de Arturo Pérez-Reverte. Mod Producciones / El Problema Final SL. España, 2026. Estreno en la Argentina: Disponible en Netflix desde el 25 de septiembre de 2026.

Primavera de 1959. En un coqueto hotel en una isla cerca de Mallorca, nueve huéspedes, la dueña del albergue y tres empleados quedan aislados a causa de un temporal. Sin comunicación alguna con el exterior; y con problemas en el suministro de electricidad, deberán lidiar con la extraña muerte de una turista inglesa. Lo que al principio se percibe como un suicidio, con el correr de las horas parece inclinarse claramente hacia un asesinato. ¿Quién? ¿Cómo? ¿Por qué? Son las preguntas que tendrá que resolver un veterano actor, famoso por haber interpretado a Sherlock Holmes. Y jugando a ser el célebre detective de ficción, todos los habitantes de la isla pasarán a desempeñar los reconocibles roles de sus compañeros y antagonistas. Claro que los límites nunca aparecerán bien demarcados; y todos se volverán tan sospechosos como posibles nuevas víctimas.

A grandes rasgos, podríamos conjeturar que se trata de una versión alternativa al clásico Eran diez indiecitos de Agatha Christie, con la investigación a cargo del inmortal personaje creado por Arthur Conan Doyle. Y no estaríamos tan errados, porque la miniserie El problema final se asume como tradicional policial deductivo, en donde la revelación del enigma pasa por el duelo intelectual antes que por la acción física y el desgaste de adrenalina. Por supuesto, antes de alcanzar el clímax de la gran revelación, protagonistas y espectadores deberemos atravesar un acumulado de coartadas, contradicciones, aparentes puntos muertos y sorprendentes vueltas de tuerca, entre cuyos pliegues se esconden tantas pistas falsas como ciertas.

Adaptación de la homónima novela de Arturo Pérez-Reverte, sentido homenaje al mítico habitante del 222 de Baker Street y al imposible crimen de cuarto cerrado, la propuesta audiovisual traduce la original construcción metanarrativa literaria en una original construcción metanarrativa cinematográfica. Con la elegancia y la sofisticación que definió al modelo clásico del género en los años ‘60, notoria sobremanera en el último episodio. Una joya dentro de una obra de arte con exquisita atención al detalle, que sabe tomarse su tiempo para instalar el predominio de la inteligencia y la ironía. Y que, por sobre todas las cosas, rinde respetuoso culto al mecanismo básico del misterio: La trampa.

Fernando Ariel García

LUCKY LUKE: ENTRE LA DESTRUCCIÓN Y LA DECONSTRUCCIÓN

Lucky Luke (8 episodios). Director: Benjamin Rocher. Protagonistas: Alban Lenoir (Lucky Luke), Billie Blain (Louise Willow), Alice Taglioni (Charlie Willow), Jérôme Niel (Joe Dalton), Sébastien Lalanne (Jack Dalton), Matthieu Lemeunier (William Dalton), Benoît Moret (Averell Dalton), Marie-Christine Orry (Ma Dalton), Victor Le Blond (Billy the Kid), Camille Chamoux (Calamity Jane), Patrick Mille (Emperador Smith), Sarah Suco (Elizabeth Zee), Éric Challier (Toukoum), Maxence (El Pulga), Bruno Gouery (Abraham Lincoln), Santiago Loy (Pinkerton), Esteban Vial (joven Lucky Luke). Guionistas: Justine Kim Gautier, Julie-Anna Grignos, Mathieu Leblanc, Thomas Maunsy. Basado en las historietas de Lucky Luke por René Goscinny (guion) y Morris (dibujos), especialmente los álbumes Luky Luke contra Joss Jamon (1958), El Juez (1959), Los Dalton se redimen (1965) y El Emperador Smith (1976). Federation Studio France / Un Pour Tous Productions / France Télévisions / Homerun. Francia, 2026. Estreno en Francia: Disponible en Disney+ desde el 23 de marzo de 2026.

De acuerdo con las postulaciones filosóficas, los conceptos de Destrucción y Deconstrucción están emparentados pero no son lo mismo. El primero implicaría la reducción de algo a la nada misma, su total y absoluta eliminación como primer paso de una posterior sustitución por otro algo diferente o parecido. El segundo, en cambio, propondría un ejercicio de desmontado simbólico de ese algo, para analizar y entender cómo funcionan sus estructuras de pensamiento y comunicación lingüística. La posibilidad de habitarlo críticamente, para sacar a la luz sus múltiples significados y contradicciones.

Cayendo a ambos lados de la fina cornisa que une y separa dichos sentidos, el francés Benjamin Rocher constituyó esta serie de Lucky Luke, ocho episodios que celebran los 80 años del cowboy solitario mientras buscan rendir homenaje específico al Lucky Luke de Morris y René Goscinny, incombustible clásico de la historieta francobelga, leído y releído en el mundo entero. No era una tarea fácil; y se agradecen los altos riesgos tomados aunque eso no implique coincidir con los resultados de semejante contingencia.

Es cierto que la serie no está nada mal, pero eso tampoco quiere decir que esté bien. El resultado final incorpora las dinámicas y los personajes del cómic, pero los elabora bajo un prisma diferente. Son los mismos, pero son otros. Están reconocibles para fanáticos y conocedores, pero no se comportan exactamente como uno espera en base a los conocimientos previos y las expectativas con que nos sentamos a seguir el derrotero de la historia. Componen una atrevida (y atractiva) relectura del material original, instalando una nueva perspectiva desde donde mirar a ese Lucky Luke elegido. Particularmente, la del spaghetti western existencialista, si es que algo así es posible.

Hay un origen y un futuro, sostenido en traumas psicológicos y un registro oscuro que no maneja la ironía fina. Deudas que deben pagarse y justificativos téorico-prácticos para el comportamiento de los Dalton, Billy the Kid, Calamity Jane y un Rantanplan en rápida fuga. Desde la vulnerabilidad, explica hasta el por qué Lucky Luke llega a ser más rápido que su propia sombra. Y todo ello, mientras los protagonistas colaboran para resolver una paternidad y evitar la conspiración que busca cambiar el destino del Lejano Oeste.

No sé si me gustó o no me gustó, porque en realidad me gustó y no me gustó. Si la juzgo como una adaptación de la obra de Morris y Goscinny, la encuentro cerca de la falta de respeto. Pero, si sigo los principios que la misma serie utiliza para describir a Calamity Jane, que permitiría entender a las historietas como ficciones producidas en base a los hechos “reales” que muestra el programa, todo (me) cierra y entretiene. ¿Habrá segunda temporada? Ojalá que sí, ojalá que no.

Fernando Ariel García

SLOW HORSES: JUEGO DE ESPÍAS

Slow Horses (Temporada 6, episodios 1-6). Director: Adam Randall. Protagonistas: Gary Oldman, Kristin Scott Thomas, Jack Lowden, Hugo Weaving, Saskia Reeves, Christopher Chung, Aimee-Ffion Edwards, Rosalind Eleazar, Joanna Scanlan, Samuel West, Ruth Bradley, Tom Brooke, MyAnna Buring, Harry Lloyd y Lenny Rush. Participación especial de Jonathan Pryce. Guionistas: Mick Herron, Gaby Chiappe, Maisie Parker, Ed Docx, Sophie Goodhart, Mark Denton, Jonny Stockwood. Basado en las novelas En el país de los espías (Joe Country, 2020) y La Casa de la Ciénaga (Slough House, 2021), sexta y séptima entregas de la saga escrita por Mick Herron. Tema principal: Strange Game, co-escrito e interpretado por Mick Jagger. See-Saw Films. Reino Unido, 2026. Estreno en la Argentina: Disponible en Apple TV desde el 16 de septiembre de 2026. Estrena un capítulo por semana.

No había visto las cinco temporadas anteriores de Slow Horses, pero después de ver la sexta me dieron unas ganas tremendas de entrarle en modo maratón. Sin muchos rodeos, la serie misma se encarga de explicar lo necesario para entender y disfrutar de este juego de espías cínico, traicionero y letal. Es cierto que para los espectadores veteranos hay un par de sorpresas (regresos y despedidas) que se tramitarán de otra manera emocional, pero los novatos (como yo) saldrán con la panza llena y el corazón contento.

¿Quiénes son los Slow Horses del título? Pues los agentes secretos del MI5 que la cagaron en alguna misión y, por eso, han sido “deportados” a una oficina miserable, sucia y ruin, en algún lugar de Londres. Como si ese fuera poco castigo, están bajo las órdenes de Jackson Lamb (Gary Oldman), jefe despótico, maltratador, borrachín empedernido, enemistado con la higiene y afecto a eructar y tirarse pedos delante de sus subalternos.

También es muy inteligente. Tanto como para darse cuenta de que las muertes accidentales de dos Slow Horses nada tienen de accidental. Y que el problema burocrático que los afecta está íntimamente relacionado con la decadencia institucional y las luchas intestinas por el control de la Agencia de Seguridad. O del presupuesto específico que manejan. También aparecen algunos ajustes de cuenta con el pasado de los protagonistas, porque tan importante como la trama policial en sí, resulta el desarrollo psicológico de los personajes, facetados con perfiles filosos como cuchillos y sórdido humor negro.

Fiel a la tradición británica del género de espías, la escala de la acción física se aleja del heroísmo altruista yanqui y la descarga brutal de adrenalina, para abrazar el pesimismo melancólico y una violencia profesional, tan rápida como sucia, tan cerebral como efectiva. Manda la ambigüedad moral y un tono general bien sombrío, características de un ecosistema que privilegia la duda y la confusión. Acá no hay buenos y malos, salvadores y salvados, vencedores y vencidos. Sólo hay intereses en pugna. Y sobrevivientes. O animales heridos que quieren seguir vivos hasta la próxima temporada, que ya está terminada. Así que sólo queda esperar, sin bajar nunca la guardia.

Fernando Ariel García

LINTERNAS: CABEZA EN LAS ESTRELLAS, PIES SOBRE LA TIERRA

Linternas (episodio 1). Director: James Hawes. Protagonistas: Kyle Chandler (Hal Jordan / Linterna Verde), Aaron Pierre (John Stewart), Kelly Macdonald (Kerry Kane), Garret Dillahunt (William Macon), Poorna Jagannathan (Zoe Macon), Jason Ritter (Billy Macon), Chris Coy (Waylon Sanders) y Cary Christopher (Noah Macon). Guionistas: Chris Mundy, Damon Lindelof, Tom King. Basado en personajes y situaciones creados por John Broome, Gil Kane, Dennis O’Neil y Neal Adams, entre otros, para DC Comics. Productores: James Gunn, James Hawes, Damon Lindelof, Tom King, Chris Mundy, Peter Safran y Ron Schmidt. Man, Woman & Child Productions / DC Studios / Warner Bros. Television. EE.UU., 2026. Estreno en la Argentina: Disponible en HBOmax desde el 16 de agosto de 2026.

La nueva propuesta del rejuvenecido universo fílmico de DC empieza con todo y termina muy (muy) arriba, dejando unas ganas incontenibles de que sea domingo a la noche para ver cómo sigue esta épica escarlata de tintes más bien oscuros tirando para un negro negrísimo. Western urbano con superhéroes y humanos enfocados en mantener ocultos sus secretos callados por décadas, mientras intentan resolver un asesinato en masa que puede guardar relación con una amenaza extraterrestre vinculada (de alguna manera) con el origen de Linterna Verde.

Lejos, muy lejos de la colorida aventura de Superman y el melodrama espacial de Supergirl, la serie de los Linternas (Lanterns) elige un duro marco policial para llevar adelante la investigación de un crimen con la cabeza en las estrellas y los pies bien asentados sobre la Tierra. En particular, una Nebraska con la portación de armas sumamente naturalizada y una de sus familias más encumbradas, los Macon, encargados de controlar el ICE privado y particular de la peligrosa figura en las sombras.

Jugando a construir un hipnótico rompecabezas temporal, la trama se va desgranando en hechos protagonizados por los mismos personajes a lo largo de tres décadas distintas, poblando la cabeza del espectador con encontradas lecturas para las motivaciones que vamos reconociendo, siempre, de manera tan fragmentada como engañosa.

El enfoque realista, sucio y pueblerino le viene como anillo al dedo (¡chan!) a esta aventura de ciencia-ficción conspirativa, muy cercana a la visión política y socialmente crítica que O’Neil y Adams le insuflaron a la franquicia en los años ‘70. La misma que hoy se sigue enfrentando a los discursos de odio supremacista contra los inmigrantes, vengan del espacio exterior o del otro lado de la frontera.

Fernando Ariel García

EL RESTO BIEN: PERSONAJE (Y SERIE) EN CRISIS

El resto bien. Directores: Daniel Burman y Daniel Hendler. Protagonistas: Benjamín Vicuña, Daniel Hendler, Violeta Urtizberea, Rita Cortese, Jorge Bolani, Sofía Guerschuny, Mirella Pascual, Julián González Hernández, Benicio Chendo, Luca Houfek, Carolina Piñeyro Duarte, Lautaro Da Cunha Oxley y Santino Da Cunha Oxley, con la participación de Andrea Frigerio, Cristina Musumeci, Roberto Suárez, Marina Bellati, Sebastián Wainraich y Alejandro Awada, entre otros. Guionistas: Daniel Burman, Ariel Gurevich, Andrés Gelós, Pablo Gelós, Eloy Burman. Dibujante de las historietas: Liniers. Oficina Burman / Cimarrón Cine. Argentina / Uruguay, 2026. Estreno en la Argentina: Disponible en Flow desde el 23 de abril de 2026.

No sé si no me gustó o no la entendí. Aunque lo más probable es que las dos cosas se hayan dado de manera simultánea. Me atrajo (mucho) el disparador. Un historietista cincuentón con andropausia y una crisis existencial galopante, que le pega por todos los costados: El profesional, el familiar y, sobre todo, el emocional. Le llegó la hora de replantearse su sumatoria de decisiones y evaluar el peso que la vida le ha cargado sobre los hombros (padres grandes y enfermos, esposa poco presente y ex esposa demasiado presente, un montón de hijos, un adolescente extranjero en intercambio escolar, un compañero de trabajo con problemas), justo cuando una hernia le impide levantar más de 3 kilos.

El problema se me presentó con las estructuras dramáticas elegidas para hacer avanzar la narración. Un arranque cercano a la comedia de enredos (poco graciosa para mi gusto) con apuntes de humor negro, toques de incorrección política para encuadrar apuntes críticos hacia las demandas de la sociedad moderna; y una serie de historietas de Liniers en pantalla, que funcionan como una especie de editorialización catártica. Pero, de golpe, la cosa se cargó con una impronta bizarra de autopercepción almodovariana, el abordaje de la angustia a través del absurdo (¿guiño al grotesco rioplatense?) y el trueque de la historieta por el stand-up.

Para mí, el resultado final explota por la ausencia de transiciones entre tonos y estilos; y por el quiebre de cualquier unidad conceptual. ¿Se trata del reflejo formal del caos que engulle al personaje central, el Ariel de Benjamín Vicuña? No lo sé. Cuando lo pienso, me parece una lectura plausible para una apuesta bastante arriesgada. Pero mientras miraba los ocho episodios de El resto bien, lo tomé como una inconsistencia dramática insalvable. Lo único rescatable y admirable, en todo momento, fue el enorme laburo de Rita Cortese, que hace ver a la actuación como algo sumamente sencillo cuando no lo es. El resto, no tan bien.

Fernando Ariel García

PEACEMAKER: CRISIS EXISTENCIAL Y MULTIVERSAL

Peacemaker (Temporada 2, episodios 1 a 5). Directores: James Gunn, Greg Mottola, Peter Sollett, Althea Jones. Protagonistas: John Cena (Chris Smith / Peacemaker), Jennifer Holland (Emilia Harcourt), Danielle Brooks (Leota Adebayo), Steve Agee (John Economos), Freddie Stroma (Adrian Chase / Vigilante), Nhut Le (Rip Jagger / Judomaster), Robert Patrick (Auggie Smith / Dragón Blanco), David Denman (no se puede decir porque es Top Secret), Frank Grillo (Rick Flag padre), Sol Rodríguez (Sasha Bordeaux), Tim Meadows (Langston Fleury), Michael Rooker (Red St. Wild) y el águila Eagly, entre otros. Participación especial de Nathan Fillion (Guy Gardner / Linterna Verde), Isabela Merced (Kendra Saunders / Hawkgirl),  Sean Gunn (Maxwell Lord) y Brey Noelle (Coneja Blanca). Guionista: James Gunn. Basado en personajes y situaciones de los cómics de DC. Coreógrafa: Charissa Barton. Productores: James Gunn, Peter Safran, John Cena. DC Studios / Warner Bros. Television / Safran Company / Troll Court Entertainment. EE.UU., 2025. Estreno en la Argentina: 21 de agosto de 2025. Disponible en HBO Max de a un capítulo por semana.

La segunda temporada de Peacemaker viene a ordenar el nuevo universo cinematográfico de DC, bajo el mandato creativo de James Gunn y Peter Safran. Tercer eslabón de esta continuidad (después del dibujo animado de los Creature Commandos y el film de Superman), el primer episodio se ocupa de incluir en el combo a la película de El Escuadrón Suicida y la primera temporada de Peacemaker, reemplazando retroactivamente cualquier referencia a la gestión Snyder por su equivalente actual.

Junto con esta selectiva tabula rasa, establece que el Universo DC podrá desarrollarse en cualquier plataforma, pero deja bien en claro que no todas las producciones estarán dirigidas al mismo público. A nivel general, Gunn mantiene el colorido patrón visual de Superman y el tono narrativo de comedia superheroica que es su marca de fábrica, pero ahí se acaban las similitudes. A partir de esta nueva tanda de episodios, Peacemaker le habla a un público más maduro. Los niveles gráficos de hiperviolencia, el humor negrísimo y los desnudos totales (masculinos y femeninos, frontales y posteriores) requieren de un acompañamiento adulto si van a ser vistos por chicos.

Ambientada un par de semanas después de la película del Hombre de Acero, la trama retoma la idea de los universos de bolsillo y la expande al incorporar el concepto de Multiverso. No (sólo) para presentar versiones alternas de algunos personajes ya conocidos, sino (sobre todo) para profundizar la redención de Peacemaker y establecer (es lo que parece, habiendo visto 5 de los 8 episodios) definitivamente su posición de héroe en el Panteón DC.

Un tránsito que no le será nada fácil ni sencillo y, mucho menos, gratuito. Los altísimos costos emocionales pondrán a Peacemaker en una terminal crisis existencial, obligándolo a revisar su historia personal, sanar las heridas que no cicatrizan y gestionar el arrepentimiento antes de solicitar el perdón por sus pecados del pasado. Un proceso de introspección que sacará a la luz la vulnerabilidad humana que el personaje había enterrado bajo impenetrables capas de múltiples excesos; y que permite el lucimiento actoral de un John Cena profundamente empático y conmovedor.

Todo esto, claro, mientras se debaten las naturalezas del machismo, el feminismo, el progresismo, el auge del conservadurismo más rancio, los consumos problemáticos, los abusos de poder, las relaciones parentales, el valor de la amistad y la moralidad de las decisiones personales. Haciendo referencia a Ciudad Gótica, Metropolis y Bludhaven, retomando viejos personajes e incorporando a Rick Flag padre y Sasha Bordeaux (sí, la veterana guardaespaldas de Bruce Wayne que Greg Rucka y Shawn Martinbrough crearan para Detective Comics en el 2000). A mí me gustó. Mucho. Me parece que el nuevo Universo DC se está poniendo cada vez mejor. La coreografía del baile de los títulos de apertura sigue siendo tope de gama.

Fernando Ariel García

EL ETERNAUTA: NADIE SE SALVA SOLO

El Eternauta (primera temporada). Director: Bruno Stagnaro. Protagonistas: Ricardo Darín (Juan Salvo / El Eternauta), Carla Peterson (Elena), César Troncoso (Alfredo “Tano” Favalli), Andrea Pietra (Ana), Ariel Staltari (Omar), Marcelo Subiotto (Lucas Herbert), Claudio Martínez Bel (“Ruso” Polsky), Mora Fisz (Clara Salvo), Orianna Cárdenas (Ingrid, “Inga”), Aaron Park (Pablo), Jorge Sesán (Franco) y Leandro Sandonato (Ruperto Mosca), entre otros. Guionistas: Bruno Stagnaro, Ariel Staltari, Gabriel Stagnaro, María Alicia Garcías, Martín Wain. Basado en la historieta homónima (1957), creada por Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López. Diseñador de los Cascarudos: Martín Canale. Compositor musical: Federico Jusid. Asesor creativo: Martín Mórtola Oesterheld. Creador de la serie: Bruno Stagnaro. K&S Films. Argentina, 2025. Estreno en la Argentina: Disponible en Netflix desde el 30 de abril de 2025.

Primero lo primero. A mi modo de ver, toda adaptación es, básicamente, una traducción de un lenguaje a otro. La fidelidad, entonces, no pasa por la trasposición literal de los contenidos, sino por el respeto y el apego a las ideas y valores que la obra original haya puesto en juego. De manera consciente o inconsciente, en forma directa o indirecta. Teniendo en cuenta el diálogo que haya entablado con su coyuntura primigenia y el impacto que el paso del tiempo haya terminado instalando sobre la ficción.

Segundo. El propio Oesterheld situó la historia de El Eternauta en tiempo presente. En 1957 cuando la empezó a serializar en el Hora Cero semanal, en 1959 cuando Solano López terminó de dibujarla; y en 1969 cuando la reescribió para el lucimiento de Alberto Breccia en la revista Gente. Que la adaptación dirigida por Bruno Stagnaro y protagonizada por Ricardo Darín transcurra en la década de los 2020 no sólo es coherente con las decisiones creativas de HGO, sino que es absolutamente necesario para no tergiversar su esencia (y mantener el giro dramático del final de la historieta, si es que algo así vaya a pasar en la serie).

En este sentido, ninguno de los cambios se me hizo forzado y todos me resultaron bienvenidos. Casi setenta años después de su primera publicación impresa, son otros los caminos a transitar si queremos arribar al mismo destino final. Y en una aventura identitariamente argentina, el peronismo, la Dictadura, la guerra de Malvinas, Alfonsín, Menem, De la Rúa y Kirchner son mojones que no deben obviarse si nos interesa que la ficción interpele la Historia y el presente. Y confronte, tal como permite hacerlo la historieta de HGO y Solano, dos modelos de Sociedad y Estado. El de la solidaridad contra la exclusión planificada, el de la construcción colectiva frente a la capitalización individual, el de la Justicia Social contra el de la Libertad de Mercado; el de Memoria, Verdad y Justicia contra el de la Teoría de los dos demonios. Y que lo haga, además, poniendo en valor a la llamada tercera edad, justo cuando el Gobierno argentino tiene plata para pegarle a los jubilados y no para pagarle a los jubilados, me pareció soberbio.

Dicho esto, los seis episodios de la primera temporada de El Eternauta son, sencillamente, perfectos. Más allá de la asombrosa proeza tecnológica y del afiatado tono actoral (salvando aquellas pocas performances que, a mi entender, no están a la altura del elevadísimo promedio), porque la calidad de su propuesta ideológica viene a demostrar que otro mundo es posible y que es posible luchar para alcanzar ese otro mundo. Al igual que en la historieta, el leitmotiv de la serie está puesto en la resistencia al modelo deshumanizado, violento y cruel que pretende instalarse para siempre en la Argentina y en gran parte del planeta. Y eso es todo lo que está bien, al menos para mí.

Lo único que me hizo ruido, mucho ruido, es la desaparición del personaje de Oesterheld. Y utilizo la palabra “desaparición”, justamente, por el grado de simbolismo que implica y evoca para la trama. Y utilizo la palabra “personaje” porque sé que el HGO real fue asesinado por la Dictadura y sus restos continúan desaparecidos. Me hubiera gustado que se incluyera la equivalencia audiovisual de esa icónica secuencia inicial, principalmente por el involucramiento personal que HGO tuvo a futuro en la aventura que iba escribiendo a lo largo de los años. Y, sobre todo, por la profunda emoción que me dio ver los dos guiños a la historia personal de la familia Oesterheld: Las referencias a la casa del Tigre, el lugar donde HGO pasó sus días de clandestinidad mientras escribía El Eternauta segunda parte; y la secuencia dentro y fuera del monumental edificio conocido como Torre Dorrego, ubicado en el barrio porteño de Palermo y donde (como bien señaló Hernán Ostuni) supo tener su vivienda Elsa Sánchez de Oesterheld.

En la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, ciudadanos anónimos intervinieron los afiches en vía pública con los rostros y los datos de HGO y sus cuatro hijas, todos secuestrados y asesinados por la Dictadura

Quiero ya la segunda temporada. Por favor. Y si naciste entre 1975 y 1983; y tenés dudas sobre tu identidad o conocés a alguien que podría ser hijo o hija de personas desaparecidas, podés contactarte con Abuelas de Plaza de Mayo. Dos hijas de HGO y Elsa Sánchez estaban embarazadas al momento de ser secuestradas por la Dictadura.

Fernando Ariel García

LA LEY DE LIDIA POËT: VERSIÓN FEMENINA (Y FEMINISTA) DE SHERLOCK HOLMES

La ley de Lidia Poët (temporada 1). Directores: Matteo Rovere, Letizia Lamartire. Protagonistas: Matilda De Angelis, Eduardo Scarpetta, Pier Luigi Pasino, Sinéad Thornhill, Sara Lazzaro y Dario Aita, entre otros. Guionistas: Elisa Dondi, Daniela Gambaro, Paolo Piccirillo, Guido Iuculano, Davide Orsini. Creadores: Guido Iuculano, Davide Orsini. Groenlandia. Italia, 2023. Estreno en la Argentina: Disponible en Netflix desde el 15 de febrero de 2023.

Drama de época inspirado en la vida de la primera abogada de la historia italiana, Lidia Poët (1855-1949), graduada en 1881 con una tesis que exigía el derecho al voto de la mujer. En un tono cercano al policial, que hace de Lidia una versión femenina (y feminista) de Sherlock Holmes, los seis episodios de esta primera temporada enfocan la prohibición que le dictara el Colegio de Abogados, en 1883, por el sólo hecho de “ser mujer y estar incapacitada para desempeñarse en profesiones de hombre”.

Lejos de la verdad histórica (por lo que dicen los actuales descendientes de la abogada y diversos catedráticos italianos), La ley de Lidia Poët (La legge di Lidia Poët) interpela nuestra cotidianeidad al exhibir de manera descarnada cuanta desigualdad de género persiste a nuestro alrededor, a pesar del largo camino recorrido y de frente a la andanada retrógrada global que pretende hacernos volver a la Edad Media. Utilizando la denuncia para desmontar casos criminales que (re)victimizaban mujeres e inocentes, Lidia lucha para romper las barreras ideológicas, morales, familiares e institucionales de la época, establecidas para inhabilitarla como profesional y como persona. Filmada en los escenarios reales de Turín en donde ocurrieron los hechos, la belleza formal de sus imágenes es otro motivo para maratonearla sin excusas. Hay segunda temporada.

Fernando Ariel García

LOS ASESINOS DE LA LUNA: DE LA PRÉDICA CAPITALISTA AL ASESINATO SERIAL

Los asesinos de la Luna. Director: Martin Scorsese. Protagonistas: Leonardo Di Caprio, Robert De Niro, Lily Gladstone, Jesse Plemons, Tantoo Cardinal, John Lithgow y Brendan Fraser, entre otros. Guionistas: Eric Roth, Martin Scorsese. Basado en el libro homónimo de David Grann (2017). Apple Studios / Imperative Entertainment / Sikelia Productions / Appian Way Productions. EE.UU., 2023. Estreno en la Argentina: 19 de octubre de 2023. Disponible en Apple TV.

Oklahoma, década de 1920. De la noche a la mañana, la nación indígena de los Osage se vuelve millonaria al encontrar petróleo bajo su suelo. Semejante riqueza atrajo, de inmediato, a distintos mediadores que intentaron lucrar con los nativos. Cuando dejaron de surtir efecto las manipulaciones, las extorsiones varias y los robos camuflados de contratos, este grupo de hombres blancos dispuestos a quedarse con las tierras y las riquezas de los Osage pasó de la prédica capitalista al asesinato serial, masacrando a más de sesenta miembros del pueblo originario.

Los asesinos de la Luna (Killers of the Flower Moon) recrea la investigación de este hecho histórico que terminó modificando el apartado legal de los EE.UU. El extenso metraje (tres horas y media) alterna el thriller, el western y el drama psicológico, con manos maestras y eludiendo siempre la reiteración y el aburrimiento. Además de un clásico policial con condimentos socio-culturales, el film aborda un tema tan álgido como la propiedad de la tierra. Entremedio, va elaborando una sólida tesis sobre la naturaleza de la relación entre el Estado nacional y los pueblos originarios que lo precedieron, cuando el interés económico se sienta a la mesa de las negociaciones.

Fernando Ariel García

EL NIÑO Y LA GARZA: RELATO PACIFISTA SOBRE EL TRÁNSITO DEL DUELO

El niño y la garza. Director: Hayao Miyazaki. Voces (original japonés): Soma Santoki (Mahito Maki), Masaki Suda (garza), Aimyon, Yoshino Kimura, Takuya Kimura, Shōhei Hino, Ko Shibasaki, Kaoru Kobayashi y Jun Kunimura, entre otros. Guion: Hayao Miyazaki, basado en la novela ¿Cómo vives? (Kimitachi wa Dō Ikiru ka, 1937), de Genzaburō Yoshino. Studio Ghibli. Japón, 2023. Estreno en la Argentina: 11 de enero de 2024. Disponible en Netflix desde el 7 de octubre de 2024.

1943, en el teatro de operaciones del Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial. A causa de un bombardeo aliado, la madre de Mahito Maki muere en un incendio. Con sólo 12 años, el joven debe trasladarse a la finca del campo donde su padre vive con su nueva esposa, una casa poblada por mujeres solteronas y distantes. Habitado por el dolor de la pérdida, Mahito se siente descolocado en el colegio, en la sociedad y entre esas cuatro paredes. Pero el fortuito encuentro con una misteriosa garza le abrirá las puertas de un mundo paralelo, tan fantástico como real.

El niño y la garza (Kimitachi wa Dō Ikiru ka) del sensei Hayao Miyazaki, construye un profundo relato pacifista sobre el tránsito del duelo, la deuda del ser humano con la Naturaleza y la empatía con el otro como único motor posible para salvar a la humanidad. Desde una poética intimista y melancólica, el film se carga con simbolismos místicos y despliega los valores que sintetizan el universo plástico y filosófico de Miyazaki. Un relato semiautobiográfico sobre el fin de la infancia (y la inocencia), que marca la despedida profesional y el legado cultural de un artista inconmensurable.

Fernando Ariel García

ZORRO: NI CLÁSICO NI MODERNO

Zorro. Directores: Javier Quintas, Jorge Saavedra, José Luis Alegría. Protagonistas: Miguel Bernardeau (Diego de la Vega / Zorro), Paco Tous (Bernardo), Renata Notni (Lolita Márquez), Emiliano Zurita (Enrique Sánchez Monasterio), Dalia Xiuhcoatl (Nah-Lin / Zorro / Serpiente Roja), Rodolfo Sancho (Gobernador Pedro Victoria), Fele Martínez (Padre Antonio), Elia Galera (Lucía Márquez), Ana Layevska (Irina Ivanova), Chacha Huang (Mei), Cuauhtli Jiménez (Cuervo Nocturno) y Andrés Almeida (Tadeo Márquez), entre otros. Participación especial de Luis Tosar (Alejandro de la Vega), Cristo Fernández (Zorro), Francisco Reyes (Vanderveen), Cecilia Suárez (Guadalupe Montoro), Joel Bosqued (Samael / Alejandro Montoro). Guionistas: Carlos Portela, Javier Quintas. Basado en personajes y situaciones creados por Johnston McCully en 1919. Diseño de personajes, bocetos y estética del programa: Carlos Pacheco. Creador y desarrollador de contenidos: Carlos Portela. Secuoya Studios / KC Global Media / C&T Mobs / NoStatusQuo Studios. España, 2024. Estreno en la Argentina: Disponible en Prime Video desde el 19 de enero de 2024.

Dicen que todo esfuerzo tiene su recompensa. Y en el caso de este Zorro, a mí la frase se me cumplió a rajatabla. Porque después de fumarme los ocho primeros episodios de la serie protagonizada por Miguel Bernardeau, los últimos dos demostraron (y explotaron) el potencial que escondía la propuesta, junto con los elementos distintivos que buscan posicionarla dentro del canon. El destino del Padre Antonio (¿y el rol de toda la Iglesia en la confabulación?); y la promesa de un paladín encapotado reconvertido en vengador urbano, le abren crédito a la producción española de cara a una hipotética segunda temporada.

Mientras tanto, lo que pude ver dejó mucho que desear. No a nivel de realización, que exhibe sin resquemores su sueño hollywoodense. Un gran acierto es haberse desprendido de cualquier referencia hacia el Zorro de Guy Williams, aunque la aparición de un Enrique Sánchez Monasterio avive inútilmente la gloria de aquellos fantasmas inalcanzables. Aquí, el diálogo (o la competencia) apunta para el lado de Antonio Banderas y la épica spielbergiana. Mucha acrobacia coreografiada, demasiado ritmo ralentizado para las peleas y un par de guiños a Matrix, para dejar contento al espectro más amplio de la muchachada.

Diseño de Carlos Pacheco para Zorro.

El gran problema de este Zorro 2024, para mí, es su sumisión irrestricta al reinado de la corrección política. La incorporación de un legado místico indígena (sumado a una tradición heroica deudora del Fantasma), un empoderamiento femenino impensable para la época (que incluye a una Zorro tan determinada como extremista); y un aluvión racial de chinos y rusos que, aún siendo históricamente correcto (cosa que desconozco), aparece medio forzado en el escenario californiano. Todo sobre un subtexto que cita la lucha de clases y el derecho de autodeterminación de los pueblos.

Por supuesto, el déficit no se debe a las siempre bienvenidas políticas de inclusión, sino al uso narrativo que se hace de las mismas. Esquemático y maniqueísta, pueril y exacerbado, históricamente discutible y casi caricaturesco en la construcción de los perfiles orientales e indígenas. Ni siquiera se anima a poner en tela de juicio la cultura machista ni el peso de los mandatos patriarcales. Para mi gusto, un cóctel demasiado contraproducente, como si hubiera sido combinado exclusivamente pour la galerie. ¿El resultado? Un Zorro desbalanceado, estéticamente acertado (se nota la mano del inolvidable Carlos Pacheco) y conceptualmente desvirtuado. Deambulando perdido entre el folletín clásico y la deconstrucción moderna. Un héroe intrascendente para una historia con aristas interesantes.

Fernando Ariel García