(Información de prensa) Están todos invitados. Anida y el circo flotante (Argentina, 2016) se estrena comercialmente el 19 de octubre. Escrita y dirigida por Liliana Romero, la película de animación cuenta con los talentos vocales de Nicolás Scarpino, Gabriela Bevacqua, Adrián Navarro, Alejandro Paker, Fabio Aste, Diana Lelez, Tatiana Temerlin, Belén Piegari y Segio Paglieri, entre otros.
Anida es una joven artista que vive dentro de un circo flotante, su mejor amigo es un sapo llamado Vicente. Ella tiene un gran poder, puede leer en las manos de las personas el futuro, pero carga con terrible hechizo, no puede ver su propio pasado.
El circo esta bajo el mando de Madame Justine, quien no deja salir a nadie de sus dominios.
Un amor imposible, un sueño de libertad, poder y aventuras van a hacer que Anida encuentre su camino y descubra el secreto que cierra una historia con la magia de los mejores cuentos.
"Como autora -contó Liliana Romero- mi intención es lograr que tanto los niños como la familia entren en un mundo de fantasía y magia, un espacio onírico que haga transparentar los conflictos de los personajes, la búsqueda de la identidad, el amor y la libertad, tomando como inspiración el melodrama. Hice una larga investigación de los escenarios circenses, donde se teje esta historia. Los circos itinerantes de los años '20 en donde los traslados se hacían en carretas, trenes y por qué no flotando a través de ríos y mares de antaño".
"Al ser una película de animación, el desarrollo estético de Anida es ilimitado, pudiendo pintar los fondos a mano, con técnicas de acuarelas, acrílicos y luego estas texturas son aplicadas en forma digital -aseguró la directora-. La técnica de animación elegida es la llamada 2d cut out, esta forma de animar me permitió que los trajes de los personaje también puedan ser pintados a mano y animadas las texturas. La música mas allá de la universalidad del circo cuenta con los instrumentos y la tensión que caracteriza la música nacional, el tango y el bolero terminan de pintar este mundo lleno de colores y magia".
(Información de prensa) Todo vampiro necesita un amigo. Basada en la exitosa serie de libros de Angela Sommer-Bodenburg, El pequeño vampiro (The Little Vampire, Alemania, 2017) se estrena en la Argentina el 14 de diciembre.
Dirigida por Richard Claus y Karsten Kiilerich, la película animada cuenta con los talentos vocales (en su versión original) de Jim Carter, Rasmus Hardiker, Alice Krige, Tim Pigott-Smith, Miriam Margolyes, Matthew Marsh, Joseph Kloska y Phoebe Givron-Taylor.
El Pequeño Vampiro cuenta la historia de Rudolph, un vampiro de trece años cuyo clan está amenazado por un famoso cazador de vampiros.
Rudolph conoce a Tony, un niño humano de la misma edad, que siente fascinación por los castillos, cementerios y vampiros.
Tony ayuda a Rudolph en una batalla llena de acción y humor contra sus adversarios y juntos salvan a la familia de Rudolph.
(Información de prensa) El 23 de septiembre, a las 17:00 horas, quedará inaugurada la muestra Hermenegildo Sábat. Retrospectiva, con más de cien obras que recorren su actividad plástica, sus más de 20 libros ilustrados y 50 años de periodismo gráfico. La exposición permanecerá hasta el 19 de noviembre en el Museo del Humor.
La muestra incluye un centenar de obras en las tres áreas plásticas donde Hermegildo Sábat desarrolló su sólida carrera en los cincuenta años que lleva en Buenos Aires, desde que arribó en el Vapor de la Carrera desde su Montevideo natal.
Una de ellas contiene óleos, monocopias y técnicas mixtas con vertientes expresionistas, surrealistas y de abstracción.
Otro espacio incluye algunos de sus trabajos de ilustración sobre textos propios o de grandes escritores, como Julio Cortázar. Aquí también podremos apreciar grafitos y acuarelas ligadas a sus grandes pasiones musicales: el tango y el jazz.
Se exhiben además las ediciones de la revista cultural Sección Áurea, que Sábat editó en los años '90 a través de su Fundación Artes Visuales.
Por último se exponen los trabajos de periodismo gráfico, con obras que realizó primeramente para el periódico La Opinión y, desde 1973, para Clarín, que son una crónica de los avatares políticos y sociales del país y del mundo en el último medio siglo.
Aquí hay sectores dedicados a los Presidentes, a los ministros de Economía, a los Líderes Mundiales, a los Políticos y Periodistas y también a los Artistas Plásticos, Escritores, Actores y Deportistas.
Es importante destacar que por su trayectoria en este último ámbito, Hermenegildo Sábat ocupa desde hace cuatro años la Presidencia de la Academia Nacional de Periodismo.
(Información de prensa) Las (verdaderas) chicas superpoderosas. Pendeja, Payasa y Gorda (Argentina, 2017) se estrena comercialmente el 28 de septiembre.
Protagonizada por Mirta Wons, Flor Benítez, Ana Devin, Germán Tripel, Fernando Miró, Claudia Schijman, Macarena del Corro, Vicky Alsúa, Andrés Gil, Denise Yáñez y Romi Pinto, la autoreivindicada cinta clase B está escrita y dirigida por Matías Szulanski.
Natalia López (Mirta Wons) contrata a dos mujeres, Pendeja y Payasa (Ana Devin y Flor Benítez, respectivamente) para que busquen un cuerpo que contiene los riñones que le salvarían la vida a su hermano. Todo sale mal en esta comedia ultraviolenta.
"Quise hacer una película que sea una de las que cuando salgo del cine digo 'uh, qué zarpada, me dejó re-manija' -contó Szulanski-. En una licuadora mezclar violencia, mucho humor, screwball y Russ Meyer, y que quede un cocktail explosivo. Mi intención es que el espectador se entretenga, persiga la historia y tenga esa hermosa sensación dicotómica de 'me encanta lo que estoy viendo y quiero terminar de verla para llegar al clímax de todo esto' y a la vez 'no quiero que termine'".
"Pendeja, Payasa y Gorda -asegura el director- es la película que me encantaría ver pero que aún nadie tuvo las agallas -en la Argentina- para tomar los riesgos de la violencia y el humor negro al palo y armar una historia compleja con esos elementos. Para preparar la película tomé inspiración de Russ Meyer, Roger Corman, Charles Bukowski, Palito Ortega, Serge Gainsbourg, Joe Swanberg, Terry Richardson, los Ramones y todo el cocktail de los VHS y DVD's pirata con los que crecí en los ’90 y ‘00s y el vasto catálogo de cultura popular, bandas ignotas y películas increíbles que se encuentran en internet".
(Información de prensa) No entres a esa casa. La señora Haidi (Argentina, 2017) se estrena comercialmente el próximo 5 de octubre. El filme de terror, dirigido por Rafael Menéndez y Daniel Alvaredo, está protagonizado por María Leal, Guillermo Pfening y María Abadi.
Una noche de tormenta, una casona cercana a una ruta poco transitada. La señora Haidi vive allí en compañía de sus perros. Un accidente en la ruta, una pareja: Pablo y Mara, que buscan auxilio.
Entre la desconfianza y la cortesía la señora Haidi asiste a la pareja accidentada.
Lejos de toda ayuda posible, sin señal de celulares y con las líneas interrumpidas, Pablo y Mara no tienen más remedio que pasar la noche en la habitación de huéspedes.
Todo parece encajar en la normalidad y sólo hay que esperar que llegue la luz del alba, pero en la soledad de la habitación Pablo y Mara develan su secreto.
Un thriller psicológico que sorprende a cada cuadro.
Borg McEnroe - La película. Director: Janus Metz Pedersen. Protagonistas: Sverrir Gudnason (Björn Borg), Shia LaBeouf (John McEnroe) y Stellan Skarsgård (Lennart Bergelin), entre otros. Participación especial de Leo Borg (joven Björn Borg), Robert Emms (Vitas Gerulaitis), Tom Datnow (Jimmy Connors) y Val Jobara (Ille Nastase). Guionista: Ronnie Sandahl. SF Film Production / Tre Vänner Produktion AB. Suecia / Dinamarca / Finlandia, 2017. Estreno en la Argentina: 21 de septiembre de 2017.
No me gustan los deportes. No me gusta practicarlos, no me gusta mirarlos. No me gustan y punto. Por supuesto, conozco los nombres (y algunas hazañas) de aquellos deportistas que sobresalen de la media, los que la rompen en lo que hacen y llenan páginas y segundos de noticias y publicidades. Así que llegué al cine sabiendo quiénes fueron (y siguen siendo) Björn Borg y John McEnroe, pero completamente en ascuas sobre qué y cuándo los había enfrentado, cómo finalizó esa rivalidad devenida amistad (o civilizada enemistad, no me queda muy claro) y el resultado de ese partido clave para la historia del tenis (dicen los que saben), bajo el caliente sol de la final del Torneo de Wimbledon de 1980.
Mejor para mí. Porque quedé preso de la tensión que bien sabe construir y dosificar Janus Metz Pedersen a la hora de reconstruir aquello que pasó dentro y fuera de la cancha. Por supuesto (y por suerte), Borg McEnroe - La película (Borg McEnroe a secas en el original) es mucho más que la dramatización de esos puntos jugados (y ganados y perdidos) como si la vida misma les fuera en ello a ambos tenistas. Posiblemente porque la vida misma les iba en ello. O algo más trascendente, como la identidad.
Björn Borg, mejor tenista del mundo en ese momento, llegó a su cita con el destino cargando la responsabilidad de ganar su quinto Wimbledon consecutivo. John McEnroe, segundo mejor tenista del mundo en ese momento, con la posibilidad de ganar su primer Wimbledon, quebrando la aparentemente inquebrantable racha de su adversario. Borg, una maquinita sueca de efectividad comprobada, fuerte en el fondo de la cancha, una pegada potentísima y un volcán emocional siempre a punto de estallar, siempre controlado por la frialdad de un cerebro obsesionado con los detalles y las mecánicas funcionales de su deporte. McEnroe, el bardo yanqui hecho persona, cómodo en medio del caos que brotaba como maná del cielo de su cuerpo y su bocaza, rápido para hacerse fuerte frente a la red, siempre estallando, siempre descontrolado y en estado de rebeldía contra todo y contra todos, incluido él mismo. El hielo y el fuego, frente a frente en el que está considerado el mejor partido de la historia del tenis. No sé si será cierto, pero si la verdad se asemeja a la ficción de esta película, bien ganado tiene el mote.
Antes de salir al campo de juego, el filme reconstruye la vida de los jugadores como un camino predeterminado a cruzarse en ese momento, ni antes ni después. Y ya en la cancha, la película construye (y deconstruye) los tres estadíos más importantes del match: El deportivo, el humano y el mítico. Frente a nuestros ojos, punto a punto y set a set, el duelo tenístico se viste de western, las raquetas se convierten en armas y los protagonistas, literalmente, se pelotean a matar o morir. Hasta que el tenis queda de lado, la importancia del resultado pierde importancia y lo único que vemos son esas dos crisálidas en el exacto momento de la metamorfosis, rompiendo el cascarón y saliendo a la luz hasta opacar al sol con su brillo. La posibilidad concreta del Hombre alcanzando su máximo potencial, robando el fuego sagrado para entregarnos a nosotros, simples mortales, el sentido existencial de la Vida (así, con mayúsculas) en bandeja.
Un peliculón, magistralmente interpretado por las tres columnas que son Sverrir Gudnason, Shia LaBeouf y Stellan Skarsgård (respectivamente, Borg, McEnroe y Lennart Bergelin, entrenador de Borg), adornado con un par de guiños de esos que nos gusta remarcar: La participación de Leo Borg, hijo de Björn Borg como un joven Björn Borg; y la interpretación de Annika Ryberg Whittembury como Silvana Ruiz, una periodista argentina (del viejo ATC) que habla en argentino.
Bienvenido a la casa de los Hartmann. Director: Simon Verhoeven. Protagonistas: Senta Berger, Heiner Lauterbach, Florian David Fitz, Palina Rojinski, Eric Kabongo, Elyas M’Barek, Uwe Ochsenknecht, Ulrike Kriener, Eisi Gulp, Marinus Hohmann, Thilo Prothmann, Esther Kuhn y Ulla Geiger, entre otros. Guionista: Simon Verhoeven. Música: Gary Go. Wiedemann & Berg Film / Sentana Filmproduktion / SevenPictures Film. Alemania, 2016. Sin estreno comercial en la Argentina, exhibido como título principal del 17º Festival de Cine Alemán.
El mundo está en crisis. Y si cada persona es un mundo, entonces cada persona está en crisis. Una crisis completamente palpable en el sur de Múnich, conglomerado burgués y católico que, visto desde aquí, es lo más parecido al Paraíso. Pero visto desde allá, según la perspectiva del guionista y director Simon Verhoeven, nativo del lugar, no deja de ser un cielo habitado por un montoncito de infiernos, algunos de bajo alcance y otros de altísimo impacto.
Al principio, la familia Hartmann pareciera estar atravesando su momento de mayor incertidumbre emocional. Los padres, jóvenes adultos mayores, se encuentran lidiando con el fantasma de la jubilación, no por los problemas económicos que esto pudiera causarles (inexistentes, por lo que deja ver la película), sino por la presión psicológica que implica el asumir la edad que se tiene para abrazar una nueva vida, con mucho tiempo por delante y pocos proyectos en común para el matrimonio. Los hijos, jóvenes adultos perdidos en el camino del dinero y el amor, no encuentran lo que buscan y no valoran lo que tienen. Y el nieto, adolescente en estado de construcción, es llevado de acá para allá aunque tiene bastante claro en dónde quiere quedarse.
Sobre esta radiografía de la familia típica alemana (entendiendo a la familia como síntesis y metáfora de la Alemania toda), un día cae la bomba atómica. La madre decide acoger a un refugiado nigeriano en la casa; y el mundo real e ilusorio que mantenían los Hartmann queda a merced del tsunami emocional que los envuelve. Y al enfrentar sus propios miedos, sus propias inseguridades, sus propios anhelos, realmente afrontan la posibilidad de volver a ser aquello que supieron ser y, sobre todas las cosas, la de llegar a ser aquello que quieren ser.
Lo mejor de Bienvenido a la casa de los Hartmann (Willkommen bei den Hartmanns), la película más exitosa del cine germano del año pasado, es su abordaje de la crisis migratoria como posible y probable instancia superadora de los nacionalismos y su relación con la mejora en la calidad de vida de los habitantes de un país. Es cierto que el tono de sitcom ayuda a la equilibrada interacción de problemáticas tan duras como irresueltas, pobladas de discriminación, racismo, buena voluntad y actos terroristas. Lejos de los fanatismos propios y los fanatismos ajenos, los procesos migratorios hace rato que llegaron para quedarse. Y por suerte, la fusión nos ha hecho mejores a todos.
El final, como corresponde a una condescendiente comedia globalizada, tranquiliza las consciencias. Y con las luces prendidas, sigue sacudiendo las mentes y los corazones. Sobre todo por haber podido definir (y defender) el valor de un par de grises en este tiempo incapaz de distinguir entre una luz y una sombra.
