viernes, 24 de julio de 2015

LA ESTIRPE MARALHA: CUENTOS DE AMOR, DE LOCURA Y DE MUERTE

La estirpe Maralha. Guión: Eduardo Mazzitelli. Dibujos: Enrique Alcatena. Colaboradores: Pablo Elías y Natalia Montoya. Portada: Enrique Alcatena. 272 páginas en blanco y negro Napoleones Sin Batallas / Entelequia. ISBN: 978-987-45507-1-2. Argentina, agosto de 2014. 

El secreto de la narración oral hecho historieta. El poder absorbente de un relato muy bien contado. Que nos atrapa, nos envuelve, nos seduce hasta devorarnos impiadosamente. Mundos dentro de mundos dentro de mundos que están dentro tuyo, dentro mío, dentro del monstruo bicéfalo que es Eduardo Mazzitelli y Enrique Alcatena, dos que son uno y, desde hace mucho ya, vienen siendo mucho más que dos. Un universo de parajes míticos que nos son engañosamente conocidos, pues los hemos transitado en noches oníricas, los hemos padecido en jornadas de pesadilla, nos hemos perdido en sus laberíntico pasadizos abiertos a la sorpresa. 


Como siempre (y, cada vez, como nunca) estamos frente a un destilado respetuoso de la cultura humana. Shakespeare, Hokusai, Las mil y una noches, los superhéroes de la Edad de Plata, los mitos de ayer, de hoy y de siempre. Los verdaderos juegos de tronos, la búsqueda del poder absoluto para corromperlo todo, para liberarlo todo, para someternos a todos, para liberarnos a todos. Para iluminarnos con la emoción y el conocimiento. Reyes, guerreros, déspotas, asesinos, brujos, héroes, marionetas todas del destino, prisioneros de los hilos que mueven Mazzitelli y Alcatena, Dios que no puede dejar de crear gentes y geografías de arquitecturas barrocas y perspectivas afiebradas. Reflejo de lo que ya fue, cimiento del porvenir. Sin tiempo. Con vida de sobra. 


La estirpe Maralha no es otra épica fuera de la historia, más allá de los sueños. Es una nueva (y van…), tan misteriosa e insondable como las anteriores, con un latido propio, intransferible, que se abre a percepciones desconocidas, a sentidos que no gobierna la razón. La ciencia entendida como fe, la tecnología como magia. La máscara que oculta mostrando. Es el resultado de la sumatoria de dos sagas que se complementan, se potencian: Sangre negra y Syridiana, realizadas para su serialización en las revistas italianas de la Eura/Aurea, pero construidas para su lectura de corrido, por las conexiones que van trazando entre sus sombras, por la civilización común que ayudan a fundar y derruir, por el linaje sangriento que las puebla. 


La primera parte le muerde los talones al último de los Maralha, expiación de esa alcurnia pervertida, fin y principio de todos los relatos que sobre ellos se cuentan con el respeto que nace del miedo. Es una historia de aprendizaje, para el niño que todo lo sabe y para su asesino que todo lo ignora. Cuento de hadas fracturado, cooptado por el lado oscuro de la cordura, la segunda parte decanta en una historia de amor maldito. Entre el padre y su hija. Entre un hombre y una mujer. Todos enemigos acérrimos y dedicados. Por ello también es la historia de una traición, de varias venganzas. 


Es también la más cabal muestra del juego del gato y el ratón que los personajes saben jugar entre sí. Y que los autores saben jugar con nosotros, pobres ricos lectores entregados a nuestra suerte. El secreto de la narración oral hecho historieta. El poder absorbente de un relato muy bien contado. Que nos atrapa, nos envuelve, nos seduce hasta devorarnos impiadosamente. 
Quiero más. 
Fernando Ariel García

jueves, 23 de julio de 2015

NUEVO TRAILER DE "LOS JUEGOS DEL HAMBRE: SINSAJO - EL FINAL"

(Información de prensa) El próximo 19 de Noviembre llega la entrega final de la trilogía basada en el best-seller de Suzanne Collins: Los juegos del hambre: Sinsajo - El final


Luego del logrado rescate de Peeta Mellark (Josh Hutcherson) por el Distrito 13, Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) está decidida a terminar con el Presidente Snow (Donald Sutherland).


"MIA MADRE", DE NANNI MORETTI, SE ESTRENA EN LA ARGENTINA EL 6 DE AGOSTO

(Información de prensa) De Nanni Moretti, director de Habemus Papa, llega a la Argentina el próximo 6 de agosto Mia Madre (Italia/Francia/Alemania, 2015), protagonizada por Margherita Buy, John Turturro, Giulia Lazzarini y el propio Nanni Moretti.


Margherita es una directora de cine que está realizando una película protagonizada por un famoso, e insoportable, actor estadounidense de origen italiano. Tiene que enfrentarse a los cuestionamientos de su compromiso como artista y a las angustias de su vida privada: Su madre hospitalizada y su hija atravesando la crisis de la adolescencia. Su hermano, como de costumbre, es irreprochable. Margherita no sabe si logrará salir adelante en su trabajo y con su familia. 


Dijo la crítica: 
Jay Weissberg (Variety): La exploración de Moretti sobre la pérdida es, sin duda, conmovedora; y Mia Madre tiene momentos muy poderosos. 


Peter Bradshaw (The Guardian): Una película tremendamente inteligente y agradable. 
Deborah Young (The Hollywood Reporter): El cine bueno, sólido y comedido se ve animado por la mezcla irónica de drama y humor característica de Moretti. 


Oliver Lyttelton (IndieWire): Moretti crea un mundo rico e increíblemente detallado, uno en el que cada personaje tiene una vida que se extiende mucho más allá de sus escenas en la pantalla. 
Lee Marshall (Screen Daily): Una película que es mejor que la suma de sus partes.


Salvador Llopart (La Vanguardia): El director italiano presenta un sentido y honesto homenaje a la madre, a su madre, además de una reflexión sobre el paso del tiempo. 
Luis Martínez (El Mundo): Un gran Moretti, una fábula entre la carcajada y la desolación, tan cálida como irresistible. Un díptico tragicómico que, pese a la aparente convencionalidad, apabulla. 


Declaraciones de Nanni Moretti en el Festival de Cannes: 
Desde que redactamos el tratamiento, con Gaia Manzini, Valia Santella y Chiara Valerio, la protagonista era una mujer y nunca tuve la intención de ser la estrella de esta película. Hace ya tiempo que no soy protagonista, felizmente. Me gustó transferir ciertas características masculinas a un personaje femenino. A mí me parecía perfecto el papel de hermano. La muerte de la madre es un tránsito, como muchos saben, importante. A mí me sucedió durante el montaje de Habemus Papa. Quería relatar, sin ningún sadismo para con el espectador, este paso en la vida de una persona. 


Con Margherita Buy es nuestra tercera película juntos, tras El caimán y Habemus Papa. Se echó sobre su espalda todo el peso de la película. En 70 días de rodaje, estuvo siempre en el plató. A menudo me decía: “cómo me gusta hacer de directora; ¡es divertido gritar a los actores!”. Todo en el personaje de Margherita se reúne en el mismo momento y con la misma urgencia: Su no estar presente, la inadecuación con respecto a su madre, las preocupaciones por la hija, los problemas de trabajo, sus recuerdos, sus pensamientos, sus sueños. Me gustaba que en determinadas escenas, el espectador no entendiese inmediatamente si lo que estaba ocurriendo era algo real o imaginario. 


Tengo problemas a la hora de teorizar mi trabajo; explicando las cosas te arriesgas a confundir más que a esclarecer. En cualquier caso, a la edad de 20 años no me habría venido a la cabeza interpretar o dirigir películas así; con el tiempo se piensa más en la muerte. En La habitación del hijo había miedos y fantasmas; en Mia madre, una experiencia vivida por muchos. 


Mis padres poco tuvieron que ver con el cine. Cuando terminé el instituto con 19 años y decidí probar con esta cosa vaga del cine, se limitaron a apoyarme con discreción y afecto, que no es poco. Me da vergüenza hablar de mi verdadera madre pero es verdad que había generaciones enteras de antiguos alumnos que seguían visitándola para hablar de todo. Esto lo supe después de su muerte.

NOVEDADES DE EDITORIAL TURNER


Marcel Duchamp. Una partida entre mí y yo. En forma de historieta, se narran las anécdotas y obsesiones que persiguieron a Duchamp, artista flâneur y dandy impasible, que hizo de su vida una obra de arte en sí misma. Editado en un curioso formato que al desplegarse se convierte en un friso ilustrado de seis metros de longitud, esta publicación es, más que un libro, un objeto de coleccionista. Con motivo de la gran retrospectiva de Marcel Duchamp que el pasado año acogió el Centro Pompidou de París, el artista revisita su obra a lo largo de un recorrido ligero y divertido a través de las ilustraciones de François Olislaeger y al hilo de sus propios escritos autobiográficos.


François Olislaeger (Lieja, 1978) estudió artes gráficas en Lyon y trabajó en diversos periódicos y revistas. Ha publicado varios libros entre los que se encuentra Mathilde danser après tout editado en colaboración con la célebre bailarina francesa Mathilde Monnier. Actualmente vive en México y París. 


El arte en la historia. El arte siempre ha sido parte de la historia, pero a menudo se nos presenta como aparte de la historia. Por supuesto podemos disfrutar de las obras por sí mismas, pero nos dirán mucho más si entendemos cómo hemos llegado a llamar arte a lo que tenemos por tal. Este es un viaje extraordinario a través de las obras más importantes de la historia antigua y reciente, para encontrar otras formas de apreciarlas a través de las complejidades de su historia, las innovaciones y, por qué no, las rivalidades entre creadores. 


Martin Kemp es profesor emérito de Historia del Arte en la Universidad de Oxford y experto en la figura de Leonardo da Vinci. Ha escrito numerosas obras sobre la imaginería en el arte y la ciencia desde el Renacimiento hasta la actualidad

"CAMINO A LA PAZ", CON RODRIGO DE LA SERNA, SE ESTRENA EL 5 DE NOVIEMBRE

(Información de prensa) Un viaje que cambiará tu vida. Camino a La Paz (2015), road movie protagonizada por Rodrigo de la Serna y Ernesto Suárez, se estrena en la Argentina el 5 de noviembre. El filme de Francisco Varone nos lleva en un viaje de más de 3 mil kilómetros, desde Buenos Aires hasta La Paz, en Bolivia. 



Sebastián es un joven cuyas mayores pasiones son la banda Vox Dei y su viejo Peugeot 505. Recién casado con Jazmín y necesitado de dinero comienzo a trabajar como remisero. Entre los pasajeros está Jalil, un anciano musulmán que lo llama asiduamente y una mañana le hace una curiosa propuesta: Le pagará una importante suma de dinero para que lo lleve en auto desde Buenos Aires hasta La Paz, en Bolivia. 



A desgano y con muchas dudas, Sebastián acepta el viaje, planeado al detalle por el anciano. El extenso trayecto está signado por discusiones constantes entre ambos, iniciadas en su mayor parte por Sebas, quien se irrita cada vez que Jalil come dentro del coche, escucha música árabe o le pide hacer un alto para rezar. 



Pero hay algo en esa convivencia forzosa que termina por vencer la mutua resistencia y los convierte en íntimos compañeros de ruta. Casi nada resulta como fue planeado. Sin embargo, ese periplo que Sebas inició como un encargo tedioso se convierte en una misión. La travesía, que para el joven será una especie de éxodo de sí mismo, tendrá el efecto liberador de la redención, como un viaje iniciático.



Para Francisco Varone, “Camino a La Paz es un relato sobre el encuentro de dos personas antagónicas, dos culturas y dos modos de ser y estar en el mundo. Una oportunidad para el aprendizaje recíproco. Un viaje de Buenos Aires a La Paz une a dos hombres que se hallan en momentos diferentes: Jalil, casi al final de su vida, atraviesa más de 3 mil kilómetros para cumplir un sueño, mientras que Sebas está un poco desorientado y busca darle sentido a su existencia. Este excepcional itinerario los pone a prueba, los confronta y revela su fortaleza. La película, una road movie que lleva desde el confort de la gran ciudad a lo impredecible de la ruta, es un particular diario de viaje –un recorrido material y otro interior- en el que el drama y el humor alcanzan un balance perfecto. ¿Puede un viaje cambiar la vida de una persona? Ya lo creo. Para hacer el rodaje, nos trasladamos por tierra, desde Buenos Aires hasta La Paz, con todo el equipo. Nos lanzamos a la ruta sin saber si iba a llover o si íbamos a encontrar las locaciones elegidas. Muchos pensaron que era una locura pero yo quería que el filme se embebiera del espíritu de esa travesía real. Viéndolo a distancia considero que no me equivoqué, en las escenas finales de la película se aprecian las marcas de ese periplo en los rostros de los protagonistas. Si bien el relato es fiel al guión, el verdadero resultado del recorrido está en los actores. Ese es el valor de la historia. Veo hoy Camino a La Paz y puedo decir que es fiel a mi concepción del mundo".







martes, 21 de julio de 2015

PURPLE COMICS: DOS MITADES NO HACEN UN TODO

Purple Comics. Autores: Lea Caballero, Franco Viglino, Marce Martí, Diego Bo Fernández. Portada: Salvador Sanz. 128 páginas en blanco y negro. Purple Books. ISBN: 978-987-45526-0-0. Argentina, julio de 2014. 
Link a la colección online de la revista Purple Comics aquí.

De mayor a menor. No sé si la disposición del material fue adrede, pero después de la lectura de Purple Comics la sensación que me queda es esa. Toda antología puede cargar consigo cierto desbalance cualitativo inherente a sus diversas ofertas; y eso se me hace entendible, pero este libro llega completamente desequilibrado en su propuesta. Muy parejo en las intenciones que revela a la hora de abordar ciertos enfoques clásicos de la aventura; y muy desparejo en los resultados finales que alcanza. 
Jelly Kid, de Franco Viglino. De lejos, lo mejor del libro

La primera mitad abruma por los logros. Lea Caballero y Franco Viglino hacen la opción del manga superheroico, de gráfica estilizada, dinámica y grandilocuente, desbordante de alegría narrativa en el plantado de los desmanes que proponen las tramas. Se le animan a la sátira y desarrollan una gracia a veces ramplona, otras de una ironía fina y efectiva. Demuestran natural soltura en el manejo del lenguaje y sus hibridaciones más cercanas a la escuela norteamericana que a la argentina. Empardan las dosis de acción y humor, apelando a la emoción necesaria para impactar, sorprender y gustar. Con las herramientas justas, aplicadas con pericia casi quirúrgica, van al grano y potencian lo mejor que tienen para ofrecer: Muy buenas ideas, expuestas de manera inteligente, atractiva y convincente. Con la irreverencia que uno espera de la sangre nueva; y la solvencia que se reconoce en los profesionales más asentados de la industria.

Mad Hawk, de Lea Caballero

No puedo decir lo mismo de la segunda mitad, aunque me esfuerce por hacerlo e intente justificar la rodada cuesta abajo con una cruel, innecesaria e injusta comparación entre las partes. Pero en los trabajos de Marce Martí y Diego Bo Fernández sólo puedo ver los vicios narrativos, los guiones predecibles, ya muy transitados y sin vueltas de tuerca que pueda entender como algo novedoso. Las propuestas, adherentes a los géneros superheroicos y la pata distópica de la ciencia-ficción, se me hacen inconsistentes y apuradas. Abusan de algunas herramientas comunicacionales, recargando y/o vaciando las páginas sin mucho sentido narrativo, cayendo en reiteraciones o deformaciones que ponen delante del ojo lector sus puntos autorales más flojos. Las ideas, más allá de su mucha o poca originalidad, llegan diluidas, deslucidas por impericia o por decisiones desacertadas.

Crónicas de Tinta, de Marce Martí

Como antología de los trabajos previamente serializados en la web de Purple Comics, el libro es una muestra cabal de lo que el colectivo tiene en su haber: Cuatro autores tan disimiles como distantes entre sí. Como libro, Purple Comics no logra ensamblar una unidad consistente entre sus diferencias. Dos mitades no hacen un todo; y esta es una buena demostración de ello. Me quedo con la carga de valores potenciales, con las capacidades a futuro que permiten proyectar estos trabajos. Y con el Jelly Kid de Franco Vigliano. ¿Para cuándo el libro con la saga completa? ¡Lo quiero ya! 
Fernando Ariel García

lunes, 20 de julio de 2015

EL TOPO ILUSTRADO: TUITS Y GRITOS

El Topo Ilustrado vol. 1. Textos: Tobías Schleider. Ilustraciones: Cristian Turdera. Portada: Cristian Turdera. 128 páginas a color. Ediciones de la Flor. ISBN: 978-950-515-924-6. Argentina, noviembre de 2014. 

Un amor atravesado por el tiempo. 
Una interpretación azarosa del destino. 
Un puñado de verdades esenciales, abiertas desde el punto de vista personal, permeables a la intervención interesada del lector. 
La potencialidad de lo infinito capturado en un formato finito. 
La búsqueda eterna del momento inasible en que tomamos conciencia. 


El descenso de un ángel. 
La aparición de la melancolía. 
El (re)conocimiento de la soledad. 
La germinación de una esperanza. 
El alumbramiento de una estrella. 
El último reflejo de su luz. 
La percepción de todo lo anterior devenido arte. 


60 viñetas, 60 ventanas, 60 instantáneas de un instante concreto. Cuestiones subjetivadas en 140 caracteres (o menos). Eso es El Topo Ilustrado (la sumatoria de Tobías Schleider y Cristian Turdera), unidad binaria que condensa emoción y pensamiento por partes iguales. Nacido en twitter en marzo de 2013 (@ElTopoilustrado), hecho libro poco más de un año después, compañero de viaje hasta el último de nuestros días. 


La cotidianeidad del mundo interior, liberada al exterior de la manera más hermosa y sencilla posible. Haiku, poesía metafísica, metáfora filosófica. Cuerpo y alma. Cerebro y corazón. Se me hace muy difícil poner en palabras qué pasó bajo mi piel y sobre mi intelecto mientras leía El Topo Ilustrado. Algo parecido a la felicidad, supongo. 
Y tal vez no. 
Fernando Ariel García