(Información de prensa) 1966. Argentina. Luna. Astrogauchos (Argentina, 2019) se estrena el 20 de junio.
La película, escrita y dirigida por Matías Szulanski, está protagonizada por Ezequiel Tronconi, Laura Laprida, Alberto Suárez, María Eugenia Rigón, Alejandro Jovic, Débora Nishimoto y Verónica Intile.
En 1966 un científico argentino lleva adelante un plan espacial para competir con Estados Unidos y la Unión Soviética en la llegada a la Luna.
Para el director, "la intención es re-imaginar los años sesenta en la Argentina de modo antagónico a cómo siempre se la muestra en el cine local. La idea es armar una Argentina pop y colorida, cercana a la Nouvelle Vague y a los Swinging Sixties de Londres para remitir a una postal imaginaria de que 'todo tiempo anterior fue mejor' cuando en realidad se estaba bajo un gobierno de facto bastante surrealista... el de Onganía. También quise poner en contraste el devenir del protagonista, que se meterá en un laberinto sumamente absurdo y cómico con una superficie por demás agradable, bella y que despierte nostalgia. Las influencias estéticas más directas son El desprecio, Blow Up y Barton Fink".
(Información de prensa) Wasabi, la empresa argentina que invierte en emprendedores y desarrolladores de productos de contenidos estratégicos para la industria Mobile, fue invitada a abrir las charlas de 4FYN en el marco del GSMA Mobile 360 que se llevará a cabo en México del 4 al 6 de Junio.
Tras su debut en la edición de 2018, 4YFN (Four Years from Now) volverá a Mobile 360 - Latin America para ayudar a startups, inversores y compañías a conectarse y generar nuevas iniciativas en conjunto.
El evento de tres días, que va por su quinta edición y llega por segunda vez a México, examinará las tecnologías, modelos de negocios y estrategias de gobierno que impulsan la transformación digital en América Latina. Expertos de la industria debatirán temas como 5G, Internet de las Cosas, inteligencia artificial y Big Data.
La GSMA representa los intereses de los operadores de telefonía móvil de todo el mundo, y une a cerca de 750 operadores y casi 400 empresas en el más amplio ecosistema de la telefonía móvil, entre ellos los fabricantes de móviles y dispositivos portátiles, empresas de software, proveedores de equipos y empresas de Internet, así como organizaciones en sectores adyacentes de la industria. La GSMA también produce los eventos MWC líderes en la industria que se celebran anualmente en Barcelona, Los Ángeles y Shanghái, así como las conferencias regionales Mobile 360 Series.
Entre los oradores de esta edición se encuentran Carlos Slim Domit, Chairman de América Móvil, Carlos Alberto Morales Paulin, CEO de Telefónica México, Byungki Oh, Vicepresidente de Telecom Korea y Osvaldo Di Campli, Presidente de Nokia para America Latina.
Los co-founder de Wasabi, Lucas Jinkis y Julio Cazaban serán los responsables de abrir las charlas de 4YFN.
Wasabi es un programa de aceleración que invierte en emprendedores apasionados, disruptivos e innovadores que desarrollan productos de contenidos estratégicos para la industria Mobile. Su misión es construir un puente entre las Telco que buscan innovar a traves de contenidos que aportan valor, y emprendedores que desarrollan productos de alto impacto.
Entre sus proyectos más importantes se destaca Go Series, una plataforma de series de ficción de corta duración que ya se lanzó en la Argentina con Telecom / Personal, en Perú con Bitel, en Bolivia con Viva, en Colombia con marca propia, en Croacia y Serbia con T Móvil, Telenor and Telekom y en un futuro cercano llegará a Laos y Vietnam con Viettel group.
(Información de prensa) Basada en una historia real. Dogman (Italia, 2018) se estrena en la Argentina el 1º de agosto. Dirigida por Matteo Garrone, la película está protagonizada por Marcello Fonte, Edoardo Pesce, Nunzia Schiano, Adamo Dionisi, Francesco Acquaroli y Alida Baldari Calabria.
Un peluquero canino que tiene su negocio en las afueras de Roma, en el barrio de Magliana, se enfrenta a uno de sus amigos, un antiguo boxeador, violento al extremo, criminal reincidente y cocainómano, que un día puede ser amable con él y al día siguiente meterlo en un lío. En un espiral que desciende al infierno, el protagonista en cuestión decide poner fin a esta particular relación de sumisión.
El 18 de febrero de 1988, en los arrabales de Roma, un peluquero canino cocainómano encerró en una jaula de su negocio a un matón local que le había hecho la vida imposible y lo torturó durante siete horas.
Garrone, maestro en la fabulación del realismo, en dar un toque de cuento -aquí David contra Goliat- a sus narraciones más crudas, rehúye en Dogman, su novena película, las torturas y se centra en lo que más le interesa: la relación anterior, la vida en ese barrio que desapareció hace décadas y en el que sólo permanecen abiertos un restaurante, un local con máquinas tragamonedas y poco más. Todavía hoy Italia lo recuerda como uno de los crímenes más espantosos de su historia.
"A mí no me interesaba hacer un film gore -aclara Garrone-. Llevo décadas con la historia en la cabeza, no sabía cómo afrontarla. Hasta que conocí a Marcello Fonte, que me parece un heredero de Buster Keaton, con su lado amable, y entendí que el personaje no podía ser violento. Preferí mostrar una violencia más psicológica, que envolviera a la acción, y que por tanto se alejara de la barbaridad real. En Italia hay gente que se ha enfadado porque no me atengo a los hechos. Pero es que Dogman ha encontrado su propia dirección. Mi audiencia ideal, en el fondo, es la que no sepa nada de los hechos reales".
"¿Es el peluquero un buen tipo empujado por las circunstancias o alguien que ya alberga el mal en su interior? -se cuestiona el director-. Esa pregunta se puede responder con otra pregunta: los papeles en el cine mudo de Keaton o Chaplin ¿eran tipos buenos o malos? Se enfrentaban a conflictos muy fuertes, lograban trasladar a la pantalla contradicciones, irracionalidad... Y eso es lo que quería para Marcello, que sólo ansía que todo el mundo lo quiera. Por eso es muy importante su relación con el pueblo, con esa geografía de western donde todo el mundo conoce a todo el mundo, donde la noción de comunidad alimenta a Marcello. Y cuando llega la soledad, se siente empujado a la violencia".
Dijo la crítica:
Peter Bradshaw (The Guardian): Una película con una fuerza incomparable.
Deborah Young (The Hollywood Reporter): Un retrato aterrador de un buen hombre que es tentado por el diablo. Dogman hará que los espectadores se agarren de sus butacas.
Robbie Collin (Telegraph): Fonte es magnético. Dogman es estimulante y tiene una gran fuerza moral.
Lee Marshall (Screendaily): Un ejercicio verdaderamente impresionante de control directoral. Una película llena de emotividad y una sensación extraña de esperanza.
(Información de prensa) Bienvenidos al mundo suburbano de la fantasía. Unidos (Onward, EE.UU., 2020) se estrena en la Argentina en marzo de 2020.
La nueva película animada de Disney - Pixar, dirigida por Dan Scanlon, cuenta (en su versión original en inglés) con los talentos vocales de Tom Holland (Ian Lightfoot), Chris Pratt (Barley Lightfoot), Julia Louis-Dreyfus (Mamá) y Octavia Spencer, entre otros.
Ambientada en un mundo suburbano de fantasía, Unidos nos presenta a dos hermanos elfos adolescentes, Ian y Barley Lightfoot, que se embarcan en una extraordinaria aventura para descubrir si aún queda un poquito de magia allí afuera.
En el mundo del film, la humanidad nunca existió. En su lugar, la población consta de elfos, trolls, sirenas, centauros, faunos, sátiros, gnomos, duendes y otras figuras míticas. Los unicornios y los mapaches sólo son mascotas.
El Ratón Pérez y los guardianes del libro mágico. Director: Juan Pablo Buscarini. Protagonistas: Carla Chiorazzo (Mar), Bruno Oro (Crudo), Lucrecia (Lucrecia), Ramón Barea (abuelo de Mar), David Fernández (Espantapájaros), Nacho García (Hombre de hojalata), Javier Losán (León cobarde), Pablo Carbonell (Merlín), Clara Alonso (Alicia), César Camino (Pinocho), Sebastián Blanco (Rey Arturo), Rodrigo Poisón (guardia de Camelot) y Tomás Pozzi (Mago de Oz), entre otros. Voces de Mariano Chiesa (Ratón Pérez), Ingrid Domingo, Cris Camisón, Lores Marco y David Llamas (los Lunnis). Guión: Diego López Álvarez, Gorka Magallón, Daniel García Rodríguez, Álvaro Ron. Canciones: Vanessa Garde (música), Guille Milkyway, Sergei Grosny, Carlos Giani y Ludovico Vagnone (letras). RTVE / Tandem Films / Enrique Cerezo PC / Caléndula Films AIE / Pampa Films / Non Stop Digital / In Post We Trust / Mediabyte. España / Argentina, 2019. Estreno en la Argentina: 30 de mayo de 2019.
Trailer para la Argentina, con más Pérez que Lunnis
Si tenés chicos chicos, tus pibes la van a pasar bomba. Pero vos la vas a pasar como Gaudio: Mal, realmente mal. La película está pensada y realizada para los niños menores de 8-10 años, sin ningún cable salvador para el adulto acompañante. Humor simple y blando. Canciones demasiado edulcoradas (para mi gusto). Linealidad exasperante. Previsibilidad absoluta. Personajes unidimensionales y caricaturescos. Colores brillantes y una exaltación de la bondad tan pueril, que casi casi te la hace confundir con la estupidez.
Afiche español
Y si vas por el Ratón Pérez, lamento informarte que el comprador compulsivo de dientes sólo aparece en la última media hora de la peli; y bastante desdibujado. Porque El Ratón Pérez y los guardianes del libro mágico se llama, en la España que la impulsó, La gran aventura de los Lunnis y el libro mágico. Algo que tiene mucho sentido, porque los susodichos Lunnis son los verdaderos protagonistas de esta gran aventura (digamos), que resulta ser su séptima incursión cinematográfica. Pero, ¿quiénes son los Lunnis? Una especie de Muppets infantiles que allá la vienen rompiendo desde 2003 pero acá son totalmente desconocidos, por eso el film tiene un título para la Madre Patria y otro para estas costas.
Trailer para España, con más Lunnis que Pérez
Más allá de las decisiones comerciales de marketineo, el team-up entre los Lunnis y Pérez se apoya en la explotación de los clásicos cuentos infantiles: Pinocho, la leyenda del Rey Arturo, Alicia en el país de las maravillas, El Mago de Oz. O sea, como en Shrek pero sin los atractivos de Shrek. Esta unión entre marionetas, dibujitos animados y la niña humana Mar, viene dada por la necesidad de salvar al Reino de la Fantasía de las garras del tierno malvado Crudo, que quiere un mundo sin imaginación para las futuras generaciones. Y ahora que lo pienso, atento al resultado final de la película, me parece que Crudo ganó. Y por afano.
Este jueves se estrena en la Argentina Godzilla 2: El Rey de los monstruos (Godzilla: King of the Monsters), tercera entrega del autodenominado Universo de Monstruos de los estudios Legendary Entertainment. Escrita y dirigida por Michael Dougherty, la película de ciencia-ficción catastrófica está protagonizada por Kyle Chandler, Vera Farmiga, Ken Watanabe y Millie Bobby Brown, la protagonista de Stranger Things, en su primer papel cinematográfico.
Pero lo mejor de todo es que, a la usanza de los viejos films de la Toho, Godzilla 2 (re)introduce a otros tres monstruos míticos del kaiju: Mothra, Rodan y el Rey Ghidora. Y si querés saber de qué va la cosa, te lo cuento en este artículo que hoy publicó La Nación en su edición online.
(Información de prensa) Crack Bang Boom y Nuevo Monumental invitan a la presentación de Ficcionario, clásico de Horacio Altuna en una nueva edición a cargo de Quiosquito de Libros, el sábado 25 de mayo, desde las 18 hs., en la sala del Nuevo Cine Monumental (San Martín 993, Rosario).
Horacio Altuna está de gira en la Argentina y visitará Rosario para dar a conocer la reedición definitiva de Ficcionario, que fuera publicada originalmente en la década de 1980.
Ficcionario es una serie de episodios autoconclusivos que, bajo el resguardo de la ciencia-ficción distópica, metaforiza la vida civil bajo contextos fuertemente represivos. El protagonista de estas historias es latino y ha migrado a un mundo anglosajón en el que la vida se encuentra absolutamente regulada por un estado omnipresente.
Publicada originalmente en los ochenta, fue la primera incursión de Altuna como autor integral (a cargo de dibujos y guiones), tras varios años de colaboración con Carlos Trillo. En esta edición definitiva, se incluyen todos los episodios originales, retocados digitalmente para enaltecer la calidad de una obra que ha vencido el dictamen del tiempo.
Horacio Altuna (Córdoba, Argentina, 1941): Ilustrador e historietista. Inició su carrera a mediados de la década de 1960, en la editorial Columba, dibujando guiones de Héctor Germán Oesterheld y Robin Wood. En 1975, comenzó a trabajar junto a Carlos Trillo, con quien formó una pareja autoral que se extendería por más de una década y daría a luz a casi una decena de proyectos. Cuando, en los tempranos ochenta, Altuna se trasladó junto a su familia a Barcelona (donde reside desde entonces), empezó una nueva etapa en su carrera, como autor integral. Ficcionario fue la primera obra de esta faceta. Ganador de los premios Yellow Kid (Salón del Cómic de Lucca, Italia, 1986), Gran Premio del Salón del Cómic de Barcelona (2004), Konex Categoría Humor e historieta (2012), Crack Bang Boom a la trayectoria (2015). Socio honorario de la ADA (Asociación de Dibujantes de la Argentina). Integrante de la junta directiva de la APIC (Asociación Profesional de Ilustradores de Cataluña), que presidió durante siete años.
Quiosquito de Libros: Todo empezó en 2014, cuando Silvia Peralta fundó su Quiosquito de libros, una librería itinerante, con un catálogo de libros ilustrados e historietas cuidadosamente elegido. Las editoriales independientes y los libros de autor son sus estrellas, que viajan con ella a ferias de todo el país. En 2017, Delfina Moroni, cofundadora de la editorial Dícese (junto a Ariel Olivetti), se sumó al proyecto y juntas inauguraron Quiosquito virtual, una tienda online que permite comprar los libros del catálogo seleccionado por Silvia desde cualquier rincón de Argentina... ¡y del mundo! Ficcionario es el primer libro editado por este inquieto dúo dinámico.
Crack Bang Boom: Es la Convención Internacional de Historietas que tiene lugar anualmente en la ciudad de Rosario desde 2010. Este evento de gran relevancia para el mundo del cómic y la cultura en general es organizado por el equipo Crack Bang Boom junto a la Municipalidad de Rosario, con el apoyo de diversas entidades públicas y privadas de la ciudad, el país y el exterior. En este 2019, se estará realizando la décima edición que será especial por la celebración de diez años del evento.
Aladdín. Director: Guy Ritchie. Protagonistas: Will Smith (Genio), Mena Massoud (Aladdín), Naomi Scott (Jasmín), Marwan Kenzari (Jafar), Navid Negahban (Sultán), Nasim Pedrad (Dalia), Alan Tudyk (voz de Iago), Billy Magnussen (príncipe Anders) y Numan Acar (Hakim), entre otros. Guión: John August y Guy Ritchie, en base al guión del Aladdín animado de Disney, escrito por Ron Clements, John Musker, Ted Elliot y Terry Rossio, a partir del cuento árabe Aladino, incluido en Las mil y una noches. Canciones: Alan Menken (música), Howard Ashman, Tim Rice, Benj Pasek y Justin Paul (letras). Coreografías: Leah Hill. Walt Disney Pictures / Lin Pictures / Rideback / Marc Platt Productions / Hurwitz Creative. EE.UU., 2019. Estreno en la Argentina: 23 de mayo de 2019.
Un mundo ideal, con la magia de los clásicos cuentos de hadas y el marcado empoderamiento femenino que escribe la actual agenda global. Algo que ya estaba en el clásico animado de 1992, pero que Guy Ritchie actualiza y pone en valor en esta fastuosa versión con actores de Aladdín (Aladdin) que, de paso, suma dos nuevas canciones que acompañan a la perfección el nuevo imaginario principesco que Disney parece empeñado en imponer.
Visualmente demoledora, la película sigue siendo la misma, aunque las modificaciones incorporadas la alejan (sin separarla del todo) del dibujo animado que empezó a definir gran parte del canon contemporáneo para este tipo de producciones. Y algo del mérito recae en las puestas coreográficas de Leah Hill, mezcla de exotismo árabe, gimnasia artística rusa y danza contemporánea callejera. Porque (¡ay!) estamos hablando aquí de una comedia musical, ese género particular en el que, de repente, la gente deja de hablar para ponerse a canturrear y bailar como si eso fuera lo más normal del mundo.
Callar, versión en español de la nueva canción de Aladdín, interpretada por Isabella Souza
Si a vos (como a mí) no te gustan las comedias musicales, tratá de engancharte con el ritmo de aventura superheroica a la Marvel, mechada con persecuciones por Agrabah que reíte de James Bond. La verdad es que Ritchie lleva ambos carriles de la película con mano firme, consiguiendo que el interés visual no decaiga en las dos horas largas del metraje. Y ha logrado, además, ensamblar un casting perfecto donde Will Smith maneja milimétricamente el tempo de la comedia, armando un Genio deliberadamente diferente al que construyera Robin Williams en el original animado.
Un mundo ideal, tema de cierre que acompaña los créditos finales, interpretado por Zayn y Becky G.
Lo más interesante, de todas formas, es la Jasmín de Naomi Scott. No sólo por su presencia escénica, sino por la explícita defensa del derecho a la autodeterminación de la mujer, que expone haciendo suya la convicción del colectivo feminista que busca derribar el velo machista de los ojos anquilosados de las personas. En los tiempos del Me Too, la princesa idílica hace oír bien fuerte su canto. Ni una menos, dice.
Infierno grande. Director: Alberto Romero. Protagonistas: Guadalupe Docampo, Alberto Ajaka, Mario Alarcón, Héctor Bordoni, Chucho Fernández, Manuel Matzkin, Javier Pedersoli, Marta Haller y Eliana De Santis. Guión: Alberto Romero. Río Rojo Contenidos / Zioc SRL. Argentina, 2019. Estreno en la Argentina: 23 de mayo de 2019.
Si allá por los ’80 fuiste lector de cómics, de aquellos que crecieron (y se formaron) trajinando páginas de Fierro, Skorpio, Cimoc y Zona 84 (por nombrar algunas), de entrada vas a sentir la pertenencia de Infierno grande a ese amplio universo sensorial y emotivo. No porque sea una adaptación de alguna de las series o unitarios que allí pudimos leer, sino por los puentes que su guionista y director, Alberto Romero, tiende de manera deliberada entre el séptimo arte y el noveno. Lenguaje narrativo, tratamiento de la imagen, características de los personajes, exploración de escenarios con un pie en la realidad y otro en el fantástico latinoamericano. Todo parece remitir a esas propuestas y todo está sólidamente construido desde esas propuestas, teniendo muy en claro las similitudes y las diferencias que se necesitan trabajar para obtener un resultado tan sólido, contundente, evocativo, provocativo, inteligente y atrapante como éste.
Estamos en La Pampa, en un presente que se muestra detenido en el tiempo, frenado a la espera de un nuevo arranque. Hasta que María encuentra el impulso interno que necesita tomar para alejarse de ese marido violento, tan anacrónico como actual, que la ama de una manera tóxica, dañina. María está embarazada, a poco de parir; y ha decidido ser madre en el pueblo que la vio nacer. Un pueblo abandonado, derruido, más habitado por el deseo que por las posibilidades concretas.
Western clásico con perspectiva de género, road movie preapocalíptica que coquetea con los códigos visuales de la aventura postapocalíptica. Metáfora mística y religiosa que plantea la necesidad metafísica de viajar al pasado (propio, no temporal) para sentar las raíces del anhelado futuro emancipatorio (propio y temporal). Como bien adelantó el propio Romero, hay algo de El Eternauta y El último recreo en este Infierno grande tan caminado. Pero, sobre todo, hay una impronta mítica que la hermana fuertemente con Alvar Mayor: La consustancial irrupción de la leyenda; el orgánico entramado entre lo natural y lo sobrenatural, que define el marco de credibilidad que la historia requiere para empatizar con el espectador. Y también un poco del Lone Wolf & Cub a la hora de avanzar en tu destino llevando de la mano al amor y la violencia, a la vida y la muerte.
Sin ser perfecta, Infierno grande es una obra maestra del nuevo cine argentino. O, al menos, lo es para mí. Una joya que, creo, no merecería pasar desapercibida. Si piensan ir a verla, háganlo durante el primer fin de semana de exhibición. Será fundamental para que la película pueda seguir caminando y no muera a la vera de tanto avengers y aladinos que ocupan las pantallas.
Badur Hogar. Director: Rodrigo Moscoso. Protagonistas: Bárbara Lombardo, Javier Flores, Cástulo Guerra, Nicolás Obregón y Daniel Elías, entre otros. Guión: Rodrigo Moscoso, Patricio Cárrega. Shooting Salta. Argentina, 2019. Estreno en la Argentina: 23 de mayo de 2019.
Hace falta más y mejor exhibición, es cierto. Pero, por suerte (y por talento), algo de justicia está empezando a hacerse con el cine argentino producido y realizado en el interior del país. Más y mejores películas están arribando a las salas porteñas, aunque les toque competir en desiguales condiciones contra los tanques y las basuras que nos inundan desde adentro y desde afuera. Badur Hogar, del salteño Rodrigo Moscoso, tiene todos los condimentos para erigirse como otra comedia dramática del montón de comedias dramáticas que brillan por TV los domingos al mediodía. Pero, por suerte (y por talento), termina siendo algo más atractivo e interesante.
Primero, por el extraordinario manejo del color local. Paisajes, vocablos, tonos, ritmos, maneras de relacionarse entre los personajes y con el entorno, que se revelan típicamente salteños aunque sean rápida y cómodamente extrapolables a cualquier otra geografía. Pintando su aldea, Moscoso cumplió el mandato de pintar el mundo.
Y segundo (y sobre todo), porque entre los livianos pliegues de la comedia, Badur Hogar enhebra un conflicto existencial que parece perseguir a una parte de la generación de treintañeros que deben decidir qué destino van a darle a sus vidas.
Como la cerrada tienda departamental que da título a la película, la pareja interpretada por Javier Flores y Bárbara Lombardo (y, en menor medida, el resto de los personajes) está atiborrada de elementos vintage que frenan la llegada de algún tipo de futuro y la detiene en el pasado. Miedos, dudas, temores, silencios familiares que se han mantenido por demasiado tiempo. Y que necesitaban de un sacudón emocional como éste para motorizarse en forma de cambio, de nervio, de vida definitivamente encarnada.
(Información de prensa) Música, medioambiente y genética. A una legua (Argentina, 2019) se estrena comercialmente el 20 de junio. El documental, guionado y dirigido por Andrea Krujosky, aborda la vida y obra del músico Camilo Carabajal, donde se conjugan el folclore y la tecnología digital, en una confluencia de tradición artística e investigación científica que nos lleva a la vanguardia de la fusión entre estética y ciencia en el Siglo XXI.
A una legua narra el viaje del músico y compositor Camilo Carabajal a través de una poderosa fusión de folclore y tecnología digital. Junto a su compañera, la Licenciada en Gestión Ambiental Ingrid Shönenberg, Camilo emprende la construcción del “ecobombo”: Un proyecto que integra ciencia y música en una confluencia de investigación científica, gestión medioambiental y goce musical que conecta las raíces folclóricas argentinas con la vanguardia del trabajo estético científico del Siglo XXI.
La película tiene un singular atractivo para públicos de varias generaciones. Este documental entrelaza el folclore, la ecología y la música digital con la pasión que atraviesa a generaciones de músicos.
Cuenta con la participación de figuras destacadas como el Cuti Carabajal, Vitillo Ábalos, Egle Martin, Mataco Lemos, el Indio Froilá, Mario Paz; y de las bandas Metabombo y Tremor, que fusionan el folclore con música digital. Interviene también el Dr. Federico Prada, experto en biotecnología, que colabora con Camilo Carabajal en la codificación genética de su música.
A través de diferentes ciudades y provincias, seguimos el recorrido de Camilo a lo largo de tres generaciones, diversos géneros musicales, un emprendimiento musical- ecológico y el uso de tecnología de última generación, valiéndonos de estos viajes para encarar íntimas conversaciones con diferentes personajes.
Esta multiplicidad de voces, hace que el camino de Camilo, además de dar a conocer temáticas nunca tratadas, dé lugar a encuentros con personajes destacados y visitas a lugares, entre los cuales se encuentra Santiago del Estero, haciendo que el documental además de contener contenido inédito, por la manera en la cual está tratado, resulte turísticamente apreciados.
"En el 2014 conocí a Camilo Carabajal -cuenta la directora, Andrea Krujosky-, ya que había escuchado su música, conocía su talento y teníamos intenciones de hacer un proyecto con él y su banda Tremor. En aquel primer encuentro nos contó sobre el proyecto ambientalista en el que se encontraba trabajando junto a su esposa, Ingrid. Desde ese momento quedé fascinada con la sensibilidad de Camilo y la pasión a la hora de trabajar en la música. Un tiempo más tarde volví a llamarlo para hacer el documental. Nos reunimos, y luego de un intercambio de información y opiniones, decidimos hacer A una legua. En la medida en la que fui investigando sola y con Ingrid, descubrí que el tema iba mucho más allá de la ecología y que podía transformarse en información nueva, interesante de contar y especialmente útil. Es por ello que pensé en combinar la música, el ambiente y la genética, porque me parecen parte de un futuro cercano, que en verdad ya estamos viviendo. Cómo evolucionan los sonidos, cómo estos pueden contener material histórico, y todo esto a partir de la búsqueda de la sonoridad que más se asemeje al bombo legüero en bombos ecológicos hechos con plástico para evitar la tala de ceibo. De modo tal que este documental me encontró con tres disciplinas distintas e igualmente valiosos y el de entrecruzarlas para poner en conocimiento temas ambientales, sociales históricos y genéticos que pueden influir en nuestras vidas hoy y a futuro".
Sobre los personajes:
Camilo y Cuti Carabajal: Padre e hijo. Músicos y compositores santiagueños.
Mataco Lemos: Bailarín profesional. Armador de bombos. Representante del folclore en la provincia de Corrientes.
Ingrid Shönenberg: Licenciada en gestión ambiental.
Egle Martin: Cantante, música, compositora. Especialista en percusión y sonidos del África.
Federico Prada: Doctor en biotecnología de la UADE, aporta su mirada científica al documental.
Vitillo Avalos: Bombisto. Perteneciente al famoso grupo Los hermanos Avalos.
Mario Paz: Luthier de bombos legüeros y sachas. Proteccionista de los ceibos.
El Indio Froilán: Reconocido Luthier de bombos legüeros. Organiza hace años la famosa marcha de los bombos.
Metabombo: Grupos de bombistos y bailarines creado por Camilo Carabajal.
Tremor: Leo García, Leo Martinelli y Camilo Carabajal. Grupo de fusión digital con más de 10 años de existencia. Han sido invitados para tocar en todo el mundo.
(Información de prensa) Después de brillar en Cannes, Delfín (Argentina, 2019) llega a las salas comerciales argentinas el 4 de julio.
Escrita y dirigida por Gaspar Scheuer, la road-movie dramática está protagonizada por Valentino Catania, Cristian Salguero, Paula Reca y Marcelo Subiotto.
Por sobre todas las cosas, Delfín quiere participar de una Orquesta Infantil que se está conformando en una ciudad vecina. Este viaje significará una aventura para él, y también para su padre.
La vida puede no ser fácil. No lo es para Delfín, un niño de 11 años que vive solo con su padre en la periferia descampada y barrosa de un pueblo de la provincia de Buenos Aires.
A lo largo de una semana, Delfín se despierta cada día para ir a trabajar, se queda dormido en la escuela, va a pescar ranas con sus amigos, espía a una joven maestra por la cual siente una fascinación que apenas comprende, y enfrenta al cobrador que vuelve una y otra vez buscando a su padre y amenazando con un desalojo inminente.
Pero Delfín quiere participar de la Orquesta Infantil de una ciudad vecina. Un viejo maestro de música le enseñó a tocar el corno francés, y Delfín hará lo imposible para conseguir viajar y presentarse a la audición.
Esta historia transcurre desde un lunes a las cinco y media de la mañana, cuando Delfín se levanta para ir a hacer los repartos en una panadería, hasta el domingo a la tarde, cuando junto a su padre tomen una importante decisión para intentar cambiar el rumbo de las cosas.
(Información de prensa) Inspirada en eventos reales. Hotel Mumbai: El atentado (Hotel Mumbai, Australia / India / EE.UU., 2018) se estrena en la Argentina el 20 de junio.
El thriller, dirigido por Anthony Maras, está protagonizado por Dev Patel, Armie Hammer, Nazanin Boniadi, Tilda Cobham-Hervey, Anupam Kher, Jason Isaacs, Suhail Nayyar y Natasha Liu Bordizzo.
Una apasionante historia sobre humanidad y heroísmo, Hotel Mumbai: El atentado cuenta vívidamente el cerco de 2008 al Taj Hotel por un grupo de terroristas en Mumbai, India.
Entre el personal del Hotel se encuentran el renombrado chef Hemant Oberoi y un camarero, quienes eligen arriesgar sus vidas para proteger a los huéspedes.
Mientras la situación avanza, una pareja desesperada se ve obligada a hacer sacrificios impensables para proteger a su hijo recién nacido.
Durante tres días y noches de 2008, del 26 al 29 de noviembre, Mumbai fue una ciudad sitiada. Un escuadrón de jóvenes yihadistas, quienes llegaron desde Paquistán por medio de un barco pesquero robado, hizo llover el terror sobre la población con una serie de ataques con disparos y bombas.
Con las fuerzas de la policía local trabajando al máximo, los locales y los turistas aterrorizados corrieron en busca de refugio mientras Mumbai ardía en llamas. Para cuando terminó el ataque, más de 170 personas de diversos países estaban muertas.
En la India, estos eventos trágicos se conocen simplemente por la fecha en que comenzaron: 26/11.
El cineasta greco–australiano Anthony Maras se sintió particularmente conmovido por las historias de los huéspedes y el personal del hotel Taj Mahal Palace.
Inaugurado en 1903, el Taj es un hotel emblemático de cinco estrellas, famoso en todo el mundo por su arquitectura y lujo, el cual ha albergado innumerables políticos, líderes empresariales, estadistas y celebridades.
Debido a su prominencia, el Taj fue elegido específicamente por los terroristas. "Aquí estaba este monumento histórico de siete pisos, el cual simbolizaba el progreso y la diversidad de la India -dice Maras-, que se convirtió en una zona de guerra”.
